Las recos de Pano

Drum'n'bass

2011-04-21T22:23:00.026+02:00

Lista de canciones:

01 / Jean Wetzel / Touchez Pas Au Grisbi / 3:27
02 / Sonny Criss / Don't Blame Me / 2:36
03 / Doctor Jazz's Universal Remedy / My Favourite Swings / 4:45
04 / [re:jazz] / Rita (Dusty Remix) / 4:07
05 / Charles Afton / Fast Cars, Naked Women / 4:45
06 / Yonderboi / Pabadam / 3:36
07 / Slowpho / Lovetech / 3:29
08 / Athome Project / I Move On / 4:29
09 / Howard Maple / Riddim Checka Part One / 4:06
10 / The Lushlife Project / Soul Reservation Morning / 6:55
11 / Xploding Plastix / Joy Comes In The Morning / 4:36
12 / Amon Tobin / Horsefish / 4:45
13 / Amon Tobin / Bloodstone / 3:59
14 / Venetian Snares / Szerencsétlen / 4:51

Lo ideal es escuchar la reco tal cual:

Reco entera (postbocks)

Para quien no tenga paciencia, aquí están los 14 temas (pinchables en Spotify):

Playlist de Spotify

Empezamos con dos temas de jazz clásico muy tranquilos, grabados ambos en París: Touchez Pas Au Grisbi (1) en 1954 y Don't Blame Me (2) en 1962. La harmónica de Jean Wetzel y el saxo alto de Sonny Criss me dejan sin palabras.

A continuación dos reconcepciones contemporáneas del hard bop, dos cruces perfectos entre el jazz y los ritmos electrónicos: Doctor Jazz's Universal Remedy, proyecto germano-italiano y [re:jazz], puramente alemanes.

My Favourite Swings (3), con su fabulosa trompeta, es de 2007, mientras que Rita (4) es de 2010.

La cosa se tranquiliza, aproximándose al terreno del ambient y el lounge, con Charles Afton y su Fast Cars, Naked Women (5). El hilo conductor es el sello Kriztal Entertainment, por el que también ficharon los dos artistas anteriores.

Hasta ahora hemos tenido dos temas de jazz puro, dos temas de jazz electrónico y uno de electrónica sin jazz. A partir de aquí el jazz va a desaparecer y la electrónica se va a endurecer, pero el húngaro Yonderboi nos da unos últimos coletazos de jazz con su Pabadam (6), de sugerente vibráfono.

Más adelante escucharemos a más artistas húngaros, pero ahora le toca el turno a la imparable Noruega: Slowpho, Athome Project, Howard Maple y Xploding Plastix son todos noruegos y todos han grabado para el sello de Tromsø Beatservice Records, auténtico filón en plena Laponia.

Lovetech (7) me parece un temazo, a caballo entre el trip-hop y el drum'n'bass (ah, y con una guitarrita jazzera también). I Move On (8) supone ya un drum'n'bass más contundente y Riddim Checka Part One (9) evoca a formaciones de hindúes londinenses (increíble que esta música se produzca en Noruega).

Todos estos temas son progresivos, con una atractiva evolución interna y una excelente producción. The Lushlife Project nos devuelven a Hungría, con un drum'n'bass mucho más ambient o trip-hop. Musicalmente no pasa nada por mezclar a húngaros con noruegos (solo faltaría), pero es que culturalmente las concomitancias entre magiares y esquimales son tremendas. El álbum del que se extrae Soul Reservation Morning (10) se llama Budapest Eskimos (MOLE Listening Pearls, 2005) y no es una ocurrencia peregrina si uno se documenta sobre la historia de las migraciones de los magiares y los orígenes de las lenguas ugro-finesas, que por supuesto no van a ser objeto de análisis aquí.

La plácida tregua del proyecto de vida exuberante (Lushlife Project) se corta de raíz con la última representación noruega de esta entrega: Xploding Plastix, cuyo nombre no defrauda. Joy Comes In The Morning (11) es una trepidante exhibición de marcialidad cibernética con ínfulas de ternura (por los paréntesis con arpa y vibráfono).

Mi primera audición de este tema me trajo inmediatamente a la memoria al Amon Tobin del Supermodified (Ninja Tune, 2000), otro cruce entre el leftfield y los breaks en el que el genio brasileño dota de vida a una miríada de robots con forma de insectos o monstruos marinos en un alarde de fecunda creatividad.

Y claro, la evocación de Tobin me llevó a explorar trabajos suyos más recientes que los que ennoblecen mi estantería desde hace más de un lustro, con el maravilloso hallazgo del Foley Room (Ninja Tune, 2007), hasta el punto de no haber querido privarme de incluir en esta reco dos temas consecutivos extraídos de dicho álbum.

En primer lugar introduzco la etérea Horsefish (12), que tiene en común el arpa con el tema de Xploding Plastix. El genio de Amon Tobin escapa a cualquier catalogación, cocinando un producto de ritmo y estructura libérrimos que provoca placer y emoción. La arpista de Horsefish es Sarah Page.

Después mezclo Tobin con Tobin metiendo la sublime e intrigante Bloodstone (13), con cuerdas a cargo del Kronos Quartet.

La guinda la pone otro monstruo: Venetian Snares y su Szerencsétlen (14), obra maestra del breakcore orquestal. Ráfagas de terroríficas cuerdas y temibles pizzicatos conjugadas a la perfección con descargas de criminales breaks. Pura tensión y adrenalina. El solo de bajo intermedio no hace sino incrementar el suspense y el pavor. Espeluznante.

Future jazz

2011-01-29T06:36:00.033+01:00

Lista de canciones:

01 / Moodorama / Too Late / 6:08
02 / Bat For Lashes / Moon And Moon / 2:58
03 / Alphawezen / Rain (Norbert Weedloaf Soundbrigde Remix) / 5:48
04 / Nor Elle / For A Drive / 3:31
05 / Naomi / I'll Be The Past / 2:55
06 / Digital Alkemist / The Cold / 5:36
07 / Q-point / Chase / 4:37
08 / De-Phazz / Better World / 2:40
09 / Roy Hargrove / Forget Regret / 3:44
10 / Burhorn / You Will Never Know (feat. Y'Akoto) / 6:01
11 / Sky D'Or / Engiadina / 5:15
12 / Minus 8 / Soverato '09 / 5:06
13 / Audio Lotion / Bandulu Jazz / 3:26
14 / Mr. Scruff / So Long / 4:09
15 / Hooverphonic / Mad About You / 3:42

Lo ideal es escuchar la lista tal cual:

Reco entera (net-mix.org)

Para quien no tenga paciencia, aquí están los 15 temas (pinchables en Spotify):

Playlist de Spotify

Este mes casi todos los cortes pertenecen al sello alemán MOLE Listening Pearls, y vaya si lo son (perlas sonoras). Too Late (1), a cargo de los teutones Moodorama, nos sitúa claramente en el ambiente de plácido downtempo que domina la recopilación.

El piano final lo aprovechamos para fletar Moon And Moon (2), de la exótica Bat For Lashes, de padre paquistaní y madre inglesa, que evoca inevitablemente a Tori Amos.

En este momento la lluvia de Alphawezen, Rain (3), nos viene al pelo: más bálsamo taciturno con sugerentes voces femeninas rebosantes de melancolía. Esta pluviosa descarga me parece sensacional: la cara más ambient del electro aderezada con el cello de Daniel Petrovitsch. Cosa seria.

Nor Elle (atractivo apócope de Norbert Feller) hace un leftfield muy interesante: For A Drive (4) nos transporta a una noche urbana cosmopolita y prometedora, todo desde el cristal de su T A X I (2008).

El dúo de Hamburgo Naomi nos presentan I'll Be The Past (5), ensoñación de synth-pop casi a capela. Carente por completo de ritmo, desarrollada con parsimonia y suavidad, la transición de esta canción con las dos entre las que se incrusta es la más forzada de toda la reco (y eso que pensé que sin percusión sería fácil, pero qué va).

Desde Atenas nos llega Costantinos Chrysogelos, con Digital Alkemist por nombre de guerra. The Cold (6) clavará sus campanitas en tus engramas neuronales, así que más vale que te gusten... No hemos salido del sello MOLE (por cierto, las pistas 5 y 6 de la reco son de 2010), pero vamos abandonando el trip-hop de esta primera parte de la recopilación por algo más vivaz y guitarrero.

En efecto, Chase (7), del dúo Q-point, tiene punteos de 4 y 6 cuerdas, suministro analógico que nos aproxima al future jazz. Aunque aquí no canta, Yasmine Meguid (nacida en Brooklyn de un egipcio y una sueca) tiene un vozarrón. Podéis comprobarlo en el tema This Is How I Wanna Feel, que no está en esta reco por no pegar demasiado, pero que es buenísimo y se extrae del mismo álbum que Chase (Nothing Else, 2005).

Como veis, pese a los fríos comienzos de sintética tranquilidad, algo se va moviendo en esta reco, metiéndonos en vena algo de analogía y vivacidad. De-Phazz tienen una dilatada trayectoria en el downtempo (ibicenco o no). Better World (8) es un temazo espectacular que no puedo sacar de mi cabeza: una guitarra acústica rabiosamente vintage y una contundente sección rítmica antagónicamente muy plugged sirven de base para la carismática voz del dominicano Paul St. Hilaire, adobada con un ronco saxofón (¡un viento por primera vez en 8 temas!).

Por fin hemos escapado del sello MOLE Listening Pearls (aunque volverá más tarde en la reco). De-Phazz editaron su Days Of Twang (2007) en su sello propio Phazz-a-delic (Alemania) y en Kriztal Entertainment (EEUU).

Forget Regret (9), del RH Factor de Roy Hargrove, es el cruce perfecto entre jazz y hip-hop. Dulce diálogo entre la trompeta de Roy y la cálida voz de Stephanie McKay. Producción impecable del sello Verve en 2003.

Pero hete aquí que en Alemania, con el auspicio de MOLE Listening Pearls, están increíblemente a la altura. Escúchese, si no, You Will Never Know (10), por The Burhorn, extraída de su álbum de octubre de 2010 Beauty Of The Beast, con la cantante Y'Akoto (tan espléndida como desconocida). La trompeta de Thomas Burhorn es tremenda, pero atentos al sabor que le da a la cosa el clarinete bajo (¡en un tema de hip-hop!). Acojonante. Bueno, es que esto es hip-hop y a la vez trip-hop; y de muchísimos quilates. ¡Toma future jazz!

Era muy difícil mantener el nivel, así que el siguiente tema es mucho más pobre: Engiadina (11), de Sky D'Or, es complaciente y aburguesada. Downtempo monocorde con un saxo tenor aterciopelado y meloso que nada tiene que ver con la audacia de The Burhorn.
No es de extrañar que la mitad del repertorio de Inner Music (2009) haya ido a parar a recopilatorios de Café Del Mar, que dejaron de ser sorprendentes hace más de una década. Un tironcito de orejas por ésta al personal de MOLE.

El alma mater de Sky D'Or (hasta el nombre es cursi) es Robert Jan Meyer, más conocido como Minus 8, apodo bajo el cual firma Soverato '09 (12), más potable que Engiadina y con un vibráfono que entronca con los tres últimos temas de la reco, que cuentan todos con este instrumento. Sello Compost.

Audio Lotion nos traen la última entrega de MOLE en la reco de este mes: Bandulu Jazz (13), nervioso acid-jazz con rítmica de persecución peliculera.

So Long (14) es uno de mis temas favoritos de Mr. Scruff. Feliz contrapunto entre un bajo ubicuo y un vibráfono polifónico. Ninja Tune, 1999.

El broche de oro lo ponen Hooverphonic con su Mad About You (15): eficientísimo trip-hop que impregna el alma de una agridulce mezcla de odio, vigor y melancolía. Pura locura. Buen solo de vibráfono, especialmente porque no mete notas de más. Lo edita Sony: material de calidad a la vez que comercial. Nada que reprochar.

Viaje al electro-pop

2010-12-11T09:12:00.053+01:00

Lista de canciones:

01_Donald Byrd_I Love The Girl
02_Air_Tropical Disease
03_Pet Shop Boys_King Of Rome
04_The Irresistible Force_Fish Dances (Plaid Remix)
05_Coldcut_Panopticon (Irresistible Force Mix)
06_Biosphere_Les Fleurs Du Mal (excerpt)
07_Erlend Øye_Symptom Of Disease
08_Röyksopp_You Don't Have A Clue
09_Empire Of The Sun_Standing On The Shore
10_Big Face_I Wanna Be A Style Crusader (DatA Remix)
11_Late Of The Pier_Space And The Woods (Cenzo Townshend Mix)
12_Rex The Dog_Circulate
13_Yelle_A Cause Des Garçons (Obsession Remix)

Lo ideal es escuchar la reco tal cual:

Reco entera (darkaudio)

Para quien no tenga paciencia, aquí están los 13 temas (pinchables en Spotify):

Playlist de Spotify

Comenzamos con el trompetista Donald Byrd y su balada I Love The Girl (1), extraída de su álbum de 1969 para Blue Note Fancy Free. El piano eléctrico de Duke Pearson hace que esto no sea jazz puro y encaje con lo que viene detrás.

El dúo de Versalles AIR (2) añade ritmo a estos inicios tranquilos de la reco, aunque la melancolía sigue estando muy presente.

Con Pet Shop Boys seguimos etéreos, pero King Of Rome (3) deja entrever, pese a su midtempo, que es pop lo que se avecina.

Los dos siguientes temas (4-5) son piezas del ambient experimental del sello Ninja Tune de 1999. The Irresistible Force es un alias de Mixmaster Morris, que participa en ambos temas -firma Fish Dances (4) y remezcla Panopticon (5) -. Coldcut es un dúo de culto que no necesita presentación: son los creadores del mítico sello Ninja Tune.

El drum'n'bass de The Irresistible Force tiñe de tensa calma la plácida atmósfera que hasta ahora nos envolvía.
Las Flores Del Mal (6), claramente inspiradas en Baudelaire, abren un paréntesis noruego en la reco, formado por los temas 6 a 8. Biosphere es el nombre de guerra de Geir Jenssen (ex-Bel Canto) y Les Fleurs Du Mal son una reinterpretación del ilustre compositor noruego electroacústico de los '60 Arne Nordheim.

Erlend Øye, colaborador de Röyksopp y miembro del dúo Kings Of Convenience, grabó su álbum Unrest en 2003 viajando por todo el mundo para registrar una canción diferente con un productor distinto de cada localidad visitada. Symptom Of Disease (7) se grabó en Turku (Finlandia) con Mr. Velcro Fastener. Indisimulado electro sazonado con la mortecina voz de Øye.

El círculo noruego lo cerramos con los inconmensurables Röyksopp acompañados por la inconfundible voz de la ex-Bel Canto Anneli Drecker. You Don't Have A Clue (8) es un himno agridulce de íntima emoción. Pegadiza, elegante, sofisticada, amorosa, bailable... Para autofustigarse con radiofórmula pinchándola una y otra vez. Si esto es comercial, que canonicen a Adam Smith.

De Noruega pasamos a Australia. Empire Of The Sun sólo tienen un álbum: Walking On A Dream (2008), pero al haber sido distribuido por multinacionales (Virgin, EMI, Astralwerks) llegará al gran público. Standing On The Shore (9) es una canción fascinante, con coros que evocan a Bacharach, riffs guitarreros, un ritmo 4x4 tan bailable como el house... todo en uno, con paso firme y elegancia. Todo un descubrimiento.

I Wanna Be A Style Crusader (10) incrementa los riffs y nos mete ya en el electro a saco. Es un temazo ecléctico incatalogable: un órgano misterioso, ráfagas atormentadas de electro que entrecortan el flujo del resto de voces, guitarras lastimosas, aullidos punk... Una pena que de este Big Face no sepamos prácticamente nada: sólo conocemos este single, editado por su propio sello Big Face y por la boutique parisina (y sello discográfico) Kitsuné.

Late Of The Pier, irresistiblemente británicos, se encaran con pose punk para producir un electro-rock atrevido, divertido y agresivo. Space And The Woods (11), que también fue single, se extrae del único disco del grupo, Fantasy Black Channel (2008).

Kitsuné también es responsable de los dos últimos cortes de la reco: Circulate (12), electro instrumental, obra del misterioso personaje Rex The Dog; y A Cause Des Garçons (13), electro-pop a cargo de la bretona Yelle.

Jazz taciturno

2008-08-06T21:17:00.013+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Hoy tenemos una representación de los principales instrumentos de jazz de la mano de algunos de sus músicos de más renombre.

Como guitarristas tenemos a Grant Green, George Benson, Earl Klugh y el belga Toots Thielemans, si bien este último es casi más famoso por tocar la harmónica que la guitarra.

El bajista más sobresaliente es el danés Niels-Henning Orsted Pedersen, que no figura en los créditos de la recopilación por acompañar a Dizzy Gillespie.

También tenemos al baterista Harvey Mason, con el tema Smoke Gets In Your Eyes, extraído de una joya de disco editado en el año 2004 titulado With All My Heart. Este disco es toda una rareza, ya que consta de 11 temas en los que Mason es el único común denominador: todos son tríos de piano, bajo y batería y los 11 tríos son diferentes. Los invitados a participar en el álbum son músicos prestigiosísimos de la talla de Chick Corea o Herbie Hancock, por citar sólo dos de ellos. Continuando con el repaso a los instrumentistas hay que destacar al trombonista Jimmy Cleveland y el inconmensurable trompetista Dizzy Gillespie.

De saxofonistas sí que traemos un buen ramillete: el soprano Gerry Mulligan, el tenor Lester Young y los altos Sonny Criss, Sonny Stitt, Woody Herman y Charlie Parker.

En cuanto a las voces, contamos con Mel Tormé, Susannah McCorkle, Patti Austin y Ella Fitzgerald.

Los compositores presentes en la recopilación también son dignos de mención. Los hermanos Gershwin son culpables de la bellísima Love Is Here To Stay, que aparece dos veces (una interpretada por Patti Austin y otra por Jimmy Cleveland). Con Carl Fischer y su We’ll Be Together Again hacemos exactamente lo mismo: incluimos dos versiones distintas (Toots Thielemans y Sonny Criss Quintet) para que el oyente paladee las diferentes texturas que una misma composición puede tener según los instrumentos empleados para interpretarla. Por último, Burt Bacharach aparece con el tema I’ll Never Fall In Love Again interpretado por Grant Green.

La recopilación comienza con el clásico Tema De Amor De Romeo Y Julieta extraído del álbum Collaboration grabado por George Benson junto a Earl Klugh. El disco es más bien mediocre, con típicos arreglos y teclados burgueses ochenteros. La propia balada que hemos recopilado es excesivamente melosa, pero en pequeñas dosis no pensamos que haga mal a nadie. En este disco aparecen Paulinho Da Costa, Marty Paich y, a la batería, el mítico Harvey Mason (que no por casualidad es el músico que cierra la reco con una deliberada simetría).

Tras ese lánguido comienzo instrumental viene el único paréntesis cantado de la recopilación. Son 4 temas de los cuales los 3 primeros se extraen de la exquisita recopilación de Playboy Jazz After Dark.

Susannah McCorkle nos regala For All We Know, con una letra preciosa y muy romántica: todo un carpe diem (why can’t we laugh at tomorrow; tomorrow will pay what we borrowed; for all we know we may never meet again…). No tengo los créditos de los músicos, pero el guitarra, piano y batería son tan finos y elegantes como la propia Susannah, que se suicidó en Nueva York a los 45 años de edad en mayo de 2001, apenas 4 meses antes del atentado de las Torres Gemelas. Su triste voz se antoja aún más taciturna conociendo tan luctuoso hecho.

Mel Tormé fue un prodigioso cantante comparado en América con el propio Sinatra. Sus más famosas grabaciones, como ésta con la que nos deleita aquí, las hizo con el arreglista de cuerdas Marty Paich, que curiosamente también participa con George Benson en el disco Collaboration. El tema que interpreta Mel Tormé como tercer corte de esta recopilación es More Than You Know, haciendo un juego de palabras con el anterior For All We Know.

Tras Mel Tormé tenemos a Patti Austin con el tema de los Gershwin Our Love Is Here To Stay. Si For All We Know suponía una exaltación a lo efímero del amor, Love Is Here To Stay significa justo lo contrario: la alabanza de su solidez. Aunque el tema se ha extraído de la mencionada recopilación de Playboy, hay que decir que también se incluye en el disco homenaje a Ella Fitzgerald que grabó Patti Austin en 2002 con el título For Ella bajo el mismo sello Playboy y con notas del propio Hugh Hefner.

Sabéis que en mis recopilaciones casi nada ocurre por casualidad y por tanto no es coincidencia que tras Patti Austin incluyamos una canción de Ella Fitzgerald. Como confesión íntima he de decir que la primera vez que escuché I Didn’t Mean A Word I Said lloré literalmente de la emoción. Es una canción perfecta y la Fitzgerald está sencillamente sublime. A Patti Austin le alabaron que no intentara imitar en su disco For Ella la forma de cantar de la Fitzgerald. Suscribo totalmente esa felicitación, ya que emular a Ella Fitzgerald es simplemente imposible. Las estrofas de I Didn’t Mean A Word I Said se repiten varias veces a lo largo de la canción. Pues bien, Ella no canta dos frases iguales. Siempre varía una nota, cambia el ritmo o hace ambas cosas a la vez. Es alucinante. Y todo con una sencillez genuina muy lejos de cualquier afectación.

Tras este tema la recopilación enmudece, en cuanto a voces humanas, para siempre. Es mi pequeño homenaje a tan divina intérprete.

El primero de los instrumentales que siguen es una preciosa balada que le dedica Gerry Mulligan a Johnny Hodges. Es curioso que el primero sea saxo soprano y el segundo saxo alto. No tocaban el mismo instrumento, pero si al chaval le gustaba Hodges… Song For Johnny Hodges es un tema muy ameno en el que destacan, junto al saxo soprano de Mulligan, de precioso timbre, el xilófono y el piano. Inicialmente los músicos se respetan e intervienen de forma sucesiva, para finalmente sumarse con una coordinación envidiable.

Aprovechando el tirón del xilófono insertamos un jocoso tema a cargo de Richard Marino & His Orchestra: Lover. El chisporroteo del xilófono es fascinante (habría que decir de los xilófonos, pues se aprecian claramente dos). Esa manera de acuchillar nada tiene que ver con la forma de tocar del xilofonista de Gerry Mulligan. También son buenos el órgano y los cambios de ritmo de Lover.

Llegados a este punto la recopilación se ha vuelto intrigante y misteriosa, cualidades que alcanzan su cenit con el inquietante tema de Gianluigi Trovesi Octet Mood Indigo. El tema pertenece al disco Les Hommes Armés, de 1997, cuya estructura es realmente singular: 9 canciones, tomando por nombre las impares Tango, Tengo, Tingo, Tongo y Tungo. Trovesi es un artista de una creatividad inusitada y su obra se mueve por terrenos experimentales y vanguardistas, como demuestra la breve canción incluida aquí.

Los acordes finales de Mood Indigo nos han servido para mezclarlos con las primeras notas de I Waited For You, bellísima y madura balada de Dizzy Gillespie, compuesta por él mismo junto a Gil Fuller. Esta grabación es del año 1973 y en ella el principal protagonista junto al mítico trompetista es el renombrado bajista Niels-Henning Orsted Pedersen, que tenía 27 años por aquel entonces. Pedersen, que rechazó con 17 años la oferta de Count Basie de alistarse en su big-band, ha lanzado una veintena de discos en solitario (queremos decir bajo su nombre exclusivo, no que no le acompañen otros músicos) y ha sido el bajista permanentemente reclamado por todos los genios de jazz americanos de gira por Escandinavia y Centroeuropa.

Tras I Waited For You tenemos dos piezas de guitarristas en un contradictorio juego de palabras: I’ll Never Fall In Love Again y We’ll Be Together Again. Grant Green fue otro chico CTI, y es que menudo talento tenía Creed Taylor para fichar monstruos. El tema de Burt Bacharach fue inmortalizado en su día por Dionne Warwick (le valió a ésta su tercer Grammy). Toots Thielemans pertenece junto con Django Reinhardt a la saga de grandes guitarristas de jazz europeos, y aquí interpreta magistralmente We’ll Be Together Again.

Pero si Thielemans y su guitarra se pueden calificar de magistrales, Sonny Criss y su saxo alto merecen el adjetivo de majestuosos. El potente saxofón de Criss inunda los sentidos de sensualidad y belleza, algo inalcanzable para la tímida y modesta guitarra de Thielemans. Para apreciar el contraste hemos colocado juntos a ambos artistas interpretando el mismo tema. Tanto el saxofonista como el pianista hacen una interpretación muy marcada de sus notas, con una manera de tocar que recuerda al xilófono saltarín de Richard Marino y se aleja de la satinada forma de interpretar de la mayoría de los músicos de jazz (señaladamente de los guitarristas y bateristas).

Otro saxofonista alto y también llamado Sonny es Sonny Stitt. Para mi gusto es demasiado barroco y autocomplaciente, haciendo del virtuosismo su único leitmotiv. La apoteosis final de la canción What’s New es interminable y empalagosa y sólo tiene parangón con la exhibicionista Mariah Carey.

Como lección de sobriedad no está mal escuchar a continuación a Lester Young y su I Can’t Get Started. La serenidad de su saxo tenor es un bálsamo tras la estridencia de Stitt.

Continuando con antiguallas de mal sonido (es decir baja calidad de grabación) tenemos una hermosa balada a cargo de Woody Herman y Charlie Parker: Laura.

La recopilación se cierra con el trombón de Jimmy Cleveland (de nuevo Love Is Here To Stay) y la batería de Harvey Mason (Smoke Gets In Your Eyes).
Enero de 2005

Celtas y satánicos

2008-08-06T19:39:00.021+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Empezamos con una asignatura pendiente. Nunca había recopilado a Edith Piaf. En esta reco comprobamos la fuerza expresiva de esta leyenda, aunque en realidad seleccioné esta canción por su magnífico pianista.

En efecto, el piano es el hilo conductor de los tres primeros temas. A la Piaf le sigue el incomparable Bud Powell con una bellísima balada.

Tras este aperitivo arcaico la reco pega un brusco giro hacia la electrónica, sólo perdonable por el denominador común del piano y el ritmo pausado de los temas dos y tres. El primer tema electrónico (corte 3 de la reco) es En Mi Soledad, a cargo de Campo (Juan Campodónico), extraído del excelente álbum Bajofondo Tango Club.

Una vez inmersos en las esencias del ambient más vanguardista nos deleitamos con un par de temas de bandas sonoras. El primero pertenece a la película japonesa Ghost In The Shell y lo firman Passengers, formación que surge de la colaboración de Brian Eno y U2. El segundo es Underground Tango, de la película Underground, cuya banda sonora fue compuesta por el yugoslavo Goran Bregovic.

La melancolía se ha apoderado de nosotros y el tema de Bregovic, al ser más analógico y construirse sobre melodías sin percusión y teclados meramente atmosféricos es un buen nexo para nuestra vuelta al mundo no electrónico, en el que reentramos de la mano de Astor Piazzolla (bandoneón), acompañado por el Kronos Quartet (dos violines, una viola y un cello).

Curiosamente ni el tango ni Argentina están excesivamente presentes en esta primera fase de la recopilación, pese a lo que pudiera sugerir un simple vistazo a los artistas representados o los nombres de las canciones presentes. Underground Tango no es un tango, ni tampoco lo es el tema de Bajofondo Tango Club. Por último, el tema de Piazzolla es el único con una instrumentación típicamente argentina, pero lo que ofrece es una visión atormentada (Fear) del tango (el nombre del álbum del que se extrae es Five Tango Sensations).

Los violines son una pieza clave en este punto de la reco, pues nos acompañan hasta la puerta del mundo celta, que en sus distintas visiones nos acompaña ya casi hasta el final de la cinta. Gaitas, violines, arpas y flautas, reales o reinventadas por algún teclado, están presentes de una forma u otra en los próximos temas.

El primer tema celta es Joe Can’t Reel, de Gwendal. Resultó muy fácil de engarzar con Piazzolla, pues comienza como cuando los músicos de una orquesta clásica afinan sus instrumentos justo antes de empezar la función y se trata de los mismos instrumentos de viento. El tema es muy sorprendente por tener un fragmento totalmente jazzístico, siendo muy de alabar que el flautista y la sección rítmica del conjunto pudieran cambiar de registro tan hábilmente en mitad de la canción (el violinista no se sintió muy Stéphane Grappelli y optó por quedarse fuera de esa especie de jam session).

Para facilitar la digestión de esta primera oleada de festín medieval insertamos un tema igualmente celta pero típicamente new age (cómo detesto este género) por parte del músico de Yorkshire Medwyn Goodall, auténtico superventas de este estilo musical. Sólo su función de bicarbonato le hizo acreedor de su inclusión en esta compilación.

Y es que cuando mezclamos, como a continuación, la música celta con el metal los platos fuertes pueden resultar bastante pesados, sobre todo por la interminable duración de sus temas.

En primer lugar, por su tranquilo comienzo, aparecen Saurom Lamderth, creadores según ellos mismos del género juglar metal, como reza su primer álbum (aunque el temazo Canto Das Sireas (Susurros) está extraído de El Guardián de las Melodías Perdidas). Las sirenas están logradísimas y nos hablan de Neptuno en un gallego sólo descifrable con las letras por delante. Merece la pena agenciárselas (en internet es sumamente fácil). El tema es variadito, con solos de guitarra heavies, fragmentos medievales bailables, percusión de metal centroeuropeo y esos coros de sirenas de extraña belleza que no logro sacarme de la cabeza.

Tras Saurom Lamderth rendimos un homenaje al metal épico, género tremendamente prolífico y cuyo mejor exponente nacional es Tierra Santa. Por supuesto fastidian los aires de Nino Bravo de su vocalista y la tediosa duración del tema, pero la alternativa eran Avalanch y optamos por excluirlos de la reco por su baja calidad. El bajista de Tierra Santa recuerda muchísimo aquí al Steve Harris de Alexander The Great.

Tampoco somos forofos de Mägo De Oz, el grupo más comercial del folk-metal actual, pero su presencia era obligada dado el cariz que estaba tomando la reco, y al menos el corte escogido es instrumental, con lo que eso ganamos al librarnos de padecer a su insufrible cantante.

Según nos acercamos al final la reco crece en solemnidad y calidad y disfrutamos de una pieza de ópera-metal con los holandeses After Forever (me encanta Floor Jansen, y viendo sus fotos más). Sus coros, orquestalidad y letras en latín elevan los quilates de esta formación muy por encima de sus imitadores comerciales Evanescence.

Pero el auténtico plato fuerte de la recopilación es Dead Emotion, a cargo de los increíblemente versátiles Paradise Lost. A uno le entran unas ganas tremendas de entregarse a los brazos de Satán al disfrutar de esta orgía de maligna belleza. Absolutamente inconmensurable. Doom metal en estado puro. Cambios de ritmo brutales, guitarras distorsionadas, trompetas apocalípticas, la voz cavernosa del vocalista en delicioso contrapunto con la soprano, cabalgadas embruten, riffs góticos… este temazo impresionante lo tiene todo. Un clasicazo del género.

Para recuperar el aliento y a guisa de end titles otro maravilloso exponente de satanismo clásico: Lord Of This World, por los Black Sabbath del Master Of Reality (1971) con Ozzy Osbourne a la cabeza. El mismo doom de Paradise Lost pero treinta años antes, que se dice pronto.

Lo más destacable del doom es su ritmo pausado. Frente a otras vertientes del metal como el thrash o el speed, que construyen su espectacularidad sobre la base de un vertiginoso virtuosismo, el doom nos impacta con sus perversas letras, de indisimulado satanismo, y la plasmación del mal y la oscuridad en sus temibles melodías, pero todo ello sin despeinarse.
Agosto de 2006

Baladas de jazz inmortales

2008-08-03T19:16:00.021+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

La reco comienza con la melancólica guitarra de Henri Crolla, al que inevitablemente comparaban en su época con el mítico Django Reinhardt, llegando a afirmar algunos que Crolla incluso lo superaba. Es una composición de 1929 grabada en 1955. Su minutaje (algo menos de 2 minutos) concuerda con su sencillez.

A continuación escuchamos al propio Reinhardt, acompañado al violín por su inseparable Stéphane Grappelli, en una grabación del año 1949, de bastante peor calidad que la de Henri Crolla, pese a que ambas canciones han sido remasterizadas digitalmente y los originales distan entre sí muy pocos años.

La grandilocuencia del combo Reinhardt-Grappelli contrasta con la mencionada sencillez de Crolla, aunque ambas composiciones tienen en común su tristeza y su belleza.

Sin dejar las antiguallas ni la melancolía, le toca el turno a la fantástica cantante austríaca Greta Keller, que grabó Goodbye To Summer en 1938. La taciturna voz de la Keller es un magnífico contrapunto para el vivaz ritmo de la música, con solos de trompeta (Bill Coleman) y clarinete (Joe Hayman).

Tras Goodbye To Summer vienen tres canciones seguidas que tienen en común el papel del trombón como instrumento solista y líder.

En primer lugar, la preciosa The Hour Of Parting (1947), en la que percibimos muy discretamente el saxo tenor de Don Byas por debajo del trombón de Tyree Glenn (trombonista de Louis Armstrong).

Después Le Piège, compuesta y tocada al piano por Claude Bolling. Este tema se extrae de un programa especial emitido por la TV francesa en 1961.

Y por último la exquisita The Soft Touch, de Henry Mancini, extraída de la banda sonora de Hatari! (1962).

El trombón se presenta en todas ellas como un instrumento solemne, cálido y capaz de imprimir una gran belleza a las baladas.

La orquesta con violines de Mancini es un anticipo de las que aparecen en las dos canciones siguientes, interpretadas, respectivamente, por Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, quienes protagonizaron entre sí una famosa y enemistosa rivalidad. Hay quien opina que en el campo de las baladas Sassy ganaba de calle y quizá haya que conceder que su maestría y sus registros (especialmente los bajos) son tremendos. Si unimos a esto el que la Fitzgerald donde no tenía parangón era en el frenético bebop, puede que haya que reconocer la superioridad de la Vaughan en baladas como éstas, aunque la interpretación que hace Ella de But Not For Me de Gershwin es impecable.

La canción de Sassy tiene la ventaja adicional de contar con un precioso solo de saxo tenor por Zoot Sims.

Continuando en el terreno del easy listening orquestal, otro monstruo es John Barry, del que traemos Diamonds Are Forever (1971), que además de tener una hermosa melodía impresiona por la textura de las cuerdas y el xilófono.

No dejamos el cine, pues Thème De Liz, de Alain Goraguer, con otro xilófono, también es de una banda sonora (J’irai Cracher Sur Vos Tombes, 1959).

Y lo mismo le ocurre a Final Au Jardin d’Acclimatation (del film Un Témoin Dans La Ville, también de 1959). Aunque este tema se lo atribuimos a Barney Wilen por ser su compositor, él no lo interpreta (su saxofón no aparece en toda la canción, que consta de un hermosísimo piano y una breve trompeta al final).

Precisamente esa trompeta de Kenny Dorham (trompetista de Art Blakey) sirve de nexo para la siguiente composición: Lover Man, grabada por Joe Newman (miembro de la Count Basie Orchestra) en 1956.

Hasta ahora la recopilación ha dado un repaso ordenado a distintos instrumentos solistas: la guitarra, el trombón, las grandes voces femeninas, la trompeta… Quizá el más ilustre de los instrumentos de jazz sea el saxofón, elegante y sensual. Por eso lo hemos dejado para el final, con tres representantes de excepción.

El primero es Michel De Villers, un saxo alto que me recuerda a Sonny Criss, inundando todo el espacio con su sonora excelencia.
A continuación Lester Young, maestro de los tenores, tocando el clásico de Ira Gershwin I Can’t Get Started. Para mi gusto se podía haber ahorrado la floritura del final, que recuerda al rimbombante Sonny Stitt o al cursi Sonny Rollins, aunque sin llegar a ese nivel de autocomplacencia.

Por último, John Coltrane y su composición propia Naima. Coltrane no es un autor fácil para el público en general. Quizá esta balada sea uno de sus temas más asequibles y aun así rebosa carisma y personalidad.

La reco continúa con la harmónica de Toots Thielemans y después recoge otro violinista: Jean-Luc Ponty, que interpreta un tema de Duke Ellington (Satin Doll).

El tema de Thielemans es el de más honda tristeza de toda la recopilación, que súbitamente recupera la alegría con Satin Doll y después se dispara con los dos últimos temas: Los Conquistadores Chocolates (Johnny Hammond) y Fran Mig Till Dig (de la sueca Emma Nilsdotter, aunque remezclado por Markus Enochson).

Hammond es un hacha del jazz-funk. Este tema se extrae de su álbum Gears (1975) y es un derroche de ritmo y de imaginación. Puede que excesivo: hay un par de pasajes en los que el oyente cree seguir el hilo conductor del tema, pero éste vuelve a dispersarse y atrapar su esencia es como tratar de coger agua con las manos.

La última canción es un tema house capaz de resucitar a un muerto. Me fascina la generosa sucesión de solos de metales: trompeta, saxofón y trombón hasta tres veces seguidas y en este preciso orden cada una de ellas, totalizando 9 solos diferentes (aunque este orden tan procedimental sólo se aprecia con una escucha muy atenta, la verdad es que está ahí exactamente así, lo que nos hace dudar si el contrato de estos músicos no contemplaba el número y orden de sus intervenciones). Es sumamente didáctico escuchar tan seguidos estos tres instrumentos: realmente, si la reco hubiera sido una clase de música, éste sería el resumen.
Reconozco que el final es un poco forzado, sobre todo la transición entre los dos últimos temas, que requirió algo más que un calzador, pero normalmente me niego a hacer recopilaciones monocromáticas.

Lo que es innegable es que los primeros 15-17 temas son de una belleza inconmensurable.
Diciembre de 2005

Nunca el bajo llegó tan alto

2008-07-26T08:01:00.016+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Como un guión de cine que abusa de la técnica de sembrado y recogida, esta reco juega con la repetición de melodías y artistas a lo largo de su minutaje. El caso más descarado es el de A Night In Tunisia, que es a la vez el tema que inaugura y clausura la cinta, pero hay otros ejemplos más sutiles: Remember también aparece en dos cortes (interpretada por Red Norvo en los años 30 y por Hank Mobley en los 60); el saxofonista tenor Wayne Shorter sale en dos canciones consecutivas (en una como miembro destacado del grupo de jazz-rock Weather Report y en la siguiente como líder de un pequeño combo una década antes); y Don Byas, también saxo tenor, aparece en la primera canción junto a Dizzy Gillespie y luego otra vez, como líder, en el corte número 12.

La reco más que hilvanada está tejida a base de concomitancias. A nivel instrumental los cuatro primeros temas son de dominio xilofónico-vibrafónico: Milt Jackson acompaña a Dizzy Gillespie, Lena Horne también cuenta con unos eficaces acordes de vibráfono justo al final de su memorable Ill Wind, Red Norvo –xilofonista y líder de su propia big-band- nos deleita con un solo de este instrumento y Gary Burton da todo un recital de más de tres minutos de duración sin ningún otro acompañamiento.

En los temas 5 y 6 las protagonistas son las superdotadas Nancy Wilson (¡menudo descubrimiento!) y Sarah Vaughan, aderezadas con violines celestiales. Y del tema 10 al 14 reinan los saxofones: el ramillete no puede ser más espléndido (Wayne Shorter por partida doble, Don Byas, Lester Young y Hank Mobley: póquer de ases).

Las transiciones entre tema y tema son muy esmeradas y dulces y hay más de un porqué para la ubicación de cada canción una detrás de otra precisamente en ese orden. Por ejemplo, Sarah Vaughan, además de con violines, canta junto a un guitarrista excepcional (de nombre desconocido, pues los créditos sólo indican Orquesta de Quincy Jones). Pues bien, qué mejor lugar para ubicar al guitarrista húngaro Elek Bacsik que detrás de ese temazo de Sassy.

Otra maldad es el diálogo que parecen entablar Nancy y Sarah entre sí: la primera dice So close your eyes… (así empieza Wave) y la segunda responde con sumisa obediencia I’ll close my eyes.

Por último, si bien con altibajos, también hay una cronología en la exposición de los temas. La grabaciones datan, respectivamente del tema 1 al 15, de: 1946, 1941, los años 30, 1966, ?, 1958, 1962, 1997, 1972, 1977, 1964, 1952, 1959, 1960 y 1981. Los primeros 3 temas son los más arcaicos (décadas de los 30 y 40); el vibráfono atemporal y onírico de Gary Burton sirve de puente a un pasaje algo más moderno (finales de los 50 y sobre todo años 60 en los cortes 4 a 7); Antony & The Johnsons, Keith Jarrett y Weather Report ponen el toque más contemporáneo a la recopilación; a partir de ahí volvemos a la edad de oro del jazz (años 50 y 60 en las pistas 11 a 14); y el colofón lo pone Chaka Khan con una versión en los años 80 de un temazo cuatro décadas más viejo.

Ahora bien, hay un instrumento normalmente discreto que juega un papel fundamental en muchos temas de esta recopilación: el bajo. De hecho, la reco se abre con el jugueteo de Ray Brown (de 19 años en el momento de la grabación) con este instrumento.

También es extraordinario el comienzo de Willow Weep For Me, en el que Pierre Michelot toma la voz cantante antes de que Elek Bacsik nos regale los oídos con su personalísima guitarra eléctrica. Ahí no queda la cosa, sino que hacia el minuto 3 de la canción el húngaro y el francés invierten los papeles tradicionales: la guitarra se convierte en sección rítmica acompañante y el virtuoso bajista hace un solo y lleva la melodía del conocido estándar de Ann Ronell hasta el final.

Otro monstruo de las cuatro cuerdas es Charlie Haden (como puede apreciarse en Expectations, de Keith Jarrett), bajista con una dilatada carrera en solitario.

Y qué decir del comienzo de Almost Like Being In Love (Lester Young). Toda la vivacidad del tema se debe a Jamil Nasser. Bueno, bien visto hay que reconocer que los cinco están soberbios (batería, piano y guitarra también). Pero el bajista es muy protagonista y el principal contrapunto al Pres (como llamaba Billie Holiday a Lester Young). De hecho, si el tema resulta agridulce creo que es porque el bajista lo inunda de alegría, pues el saxo de Lester Young (como si supiera que iba a morir a las pocas semanas de esta grabación) no puede ser más melancólico.
Remember también tiene un solo de bajo por parte de Paul Chambers… Si me he saltado a Weather Report en este loor de los bajistas de la recopilación ha sido adrede: el caso de Jaco Pastorius es el más evidente y sobresaliente de todos. Canonizado por su temprana muerte, estamos (junto con Charles Mingus) ante uno de los bajistas más alabados de la historia. Y no es para menos: A Remark You Made bien podría definirse como un dúo entre Wayne Shorter y el bajista de Pennsylvania, que hace del bajo eléctrico instrumento solista y voz principal. La recopilación es sensacional. A Night In Tunisia es un tema adelantado a su época un puñado de lustros. Misterioso y electrizante. No menos magnética es Ill Wind (recopilada a raíz de haber visto recientemente la magnífica película Cotton Club). Remember es elegante y con un swing tremendo (aparte de ser swing, lo tiene). Nancy Wilson rebosa carisma y clase a partes iguales. Keith Jarrett fue tan osado para su época que Columbia (cuyos directivos le dieron total libertad y no supervisaron la grabación de Expectations) le rescindió el contrato a los cuatro días de publicarse el álbum en 1972. Hank Mobley hace una versión hard-bop de Remember prácticamente bailable y de una altísima positividad.

Y por último Rufus Khan pone el broche d

e oro con su luminosa versión de A Night In Tunisia. Las letras son emocionantes (A long time ago in the ‘40s Dizzy

and Bird gave us this song…) y más aún lo es el hecho de que la trompeta que puede oírse en el

tema, por estas maravillas de la tecnología, es la del propio Gillespie.
Septiembre de 2006

Gótica

2008-05-12T21:17:00.033+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Esta recopilación tiene un origen más o menos vago y un detonante o excusa bastante concretos.

Su origen es el gusto por todo lo gótico, siniestro y electro-dark que se vive actualmente en determinados ambientes, tan minoritarios como intensos. La experiencia vivida en alguna de esas fiestas tan selectas me llevó a interesarme, al menos musicalmente, por ese mundo tan atractivo, y de ese entorno proviene en gran parte la música aquí recopilada.

Sin embargo, nunca me decidía a hacer una recopilación oscura que recogiera una representación del repertorio adquirido de ese género y fue necesario un desafío involuntario por parte de un tercero para que yo me pusiera a trabajar. Fue en una cena de cumpleaños cuando una comensal negó la existencia del fenómeno gótico aduciendo que ese adjetivo era una etiqueta propia de críticos musicales que carecía por completo de contenido.

Ante semejante barbaridad me sentí inicialmente ofendido, pero a continuación fuertemente estimulado para demostrar la falsedad de tan osada aseveración. En pocos días terminé la recopilación y le regalé una copia, agradecido, a la analfabeta musical que provocó todo este lío.

En esta recopilación, planeada in crescendo, tenemos música más o menos gótica, desde lo más plácido y emocional hasta lo más agresivo y ruidoso, pasando por episodios altamente bailables.

Las fuentes

Las canciones 4, 10 y 14 se extraen de un maravilloso CD cuádruple recopilatorio titulado The Black Bible, editado por el sello Cleopatra en 1998. Se trata de una lujosísima obra que ha debido de hacer las delicias de los fanáticos del género tanto por su extensión (casi 4 horas y media), como por su impecable presentación y exhaustivo contenido.

Los temas 8 y 19 pertenecen al álbum de Anathema A Natural Disaster, de 2003 (el último de ellos da nombre al CD). Este grupo ha sido mi gran descubrimiento de los últimos tiempos. En febrero acudí al Atarfe Vega Rock, el gran acontecimiento heavy de Granada, para ver a estrellas como Megadeth (la última vez que los había visto fue en Londres 13 años antes) y mi sorpresa fue descubrir a unos Anathema totalmente desubicados frente a ese público: poperos, intimistas, emocionales, tranquilitos, saboreando las texturas de sus teclados y acompañados por una gran vocalista (Lee Douglas), más propia de formaciones de trip-hop que de heavy-metal. Me encantaron y allí mismo me compré dos discos suyos (el merchandising del festival era para verlo: más grande que el mercadillo de Camden Lock, por volver a mencionar Londres).

¿Qué hacían Anathema rodeados de cabestros melenudos con camisetas negras de Maiden, Deicide y Sepultura? La explicación es que en sus orígenes Anathema eran un grupo de doom metal (embruten para los amigos). Pese a sentirme bastante heavy (yo no fui al Atarfe por error), reconozco que la evolución de esta banda es admirable y supongo que los arriesgados organizadores del Atarfe pensaron lo mismo (no seré yo quien presuma su ignorancia).

El CD de Anathema lo edita Music For Nations, sello británico que ha publicado trabajos de Metallica, Slayer, Cradle Of Filth, Therion (también presentes en el Atarfe), etc.

Aunque el gurú de la electrónica Aphex Twin (Richard D. James) no hace música gótica, sus trabajos ambientales son interesantísimos: experimentales y nostálgicos, por lo cual casan perfectamente con los comienzos tranquilos de esta reco. Match Sticks se extrae de Selected Ambient Works II, de 1994 y Btoum Roumada del álbum Drukqs, de 2001. Ambos CDs son dobles y es que este prolífico artista tiene, pese a su corta edad (nació en 1971), un repertorio abundantísimo.

Casi todas las canciones del álbum Drukqs tienen nombres impronunciables. Con Aphex Twin cubrimos las pistas 1, 3, 5 y 6.

Otro filón del que bebe esta recopilación es un triple recopilatorio francés denominado QFG: A Compilation, editado en 2003 por el sello Parametric. Esta obra es la polla: 45 canciones de 45 artistas distintos de la escena industrial-experimental gabacha. A esta recopilación debemos las pistas 9 y 12. No es gótico puro, pero el gótico y el industrial están bastante emparentados y también pegan aquí.

State Of Synthpop es una recopilación realmente faraónica del sello A Different Drum que vio la luz en 2003. Es un quíntuple recopilatorio con 85 grupos distintos de la escena actual del synthpop, entendido en sentido amplio, por lo que las sub-tendencias presentes son múltiples. De esta obra hemos tomado esta vez las canciones 15 y 17.

Sin embargo, las más famosas colecciones del sello A Different Drum son las sagas tituladas Synthpop Club Anthems y Synthpop For A Darkened Room, cada una de ellas con 3 ediciones distintas. De Synthpop For A Darkened Room 2 hemos extraído las canciones 2 y 7.

Para ser cien por cien exhaustivos en este análisis de las fuentes hemos de mencionar tres discos más. El primero sería The Eyes of Stanley Pain del grupo Download (1996). Otro es In Electro We Trust, recopilatorio lanzado por el sello alemán Datapunk en 2004. Finalmente, el extraño disco doble de The Orb llamado Auntie Aubrey’s Excursions Beyond The Call Of Duty, de 1996.

El viaje

La narrativa de la recopilación se basa al principio en una serie de flashbacks o insertos que suponen un paréntesis dentro del discurso principal.

Así, durante las primeras 5 pistas el taciturno discurso lo lidera Match Sticks, de Aphex Twin (pistas 1, 3 y 5). Intercaladas a modo de digresión tenemos la melancólica Empty y la lúgubre Angel, con sus tenebrosos susurros.

El artista que interpreta Empty es B! Machine, realmente llamado Nathaniel Nicoll y también nacido en 1971 (las músicas sintéticas, a diferencia del rock o el jazz, nos sorprenden con formaciones de un solo miembro).

Con Angel tenemos otro ejemplo, pues :wumpscut: (sic) es un artista alemán llamado Rudy Ratzinger (¡a que este apellido no se nos olvida!).

Hay que destacar que Match Sticks es una canción bastante larga, pues los fragmentos que podemos oír en tres ocasiones pertenecen a partes distintas del mismo tema, aunque apreciar esto es muy sutil porque se trata de una pieza bastante lineal.

Btoum Roumada nos transporta, con sus extrañas campanas, a otro tiempo y lugar. A diferencia de la etérea Match Sticks, esta otra canción de Aphex Twin tiene algo de religioso y de festivo, como una especie de villancico medieval.

El clímax emocional llega con Bleed (Daybehavior) y sobre todo con Are You There? (Anathema). Después llegan actitudes mucho más agresivas. Genitorturers son dolorosos hasta en el nombre y a Hocico no me atrevería a escucharlos en una habitación oscura una noche solo en casa.

Anathema son riquísimos en recursos y descuellan sobre el resto de artistas aquí representados. Instrumentalmente son únicos, pues no hay otro grupo en esta recopilación cuyas primeras armas no sean electrónicas. Sin embargo casan bien con el resto por el tono melancólico de estos comienzos de la recopilación, melancolía que empieza a perderse justo después de este primer clímax emocional (digo primer porque hay otro al final).

El tema Omnipresence (Moon), aparte de recordarnos a una máquina de petaco con sus chisporroteantes sonidos, es un ejemplo de cómo la experimentación puede llevarnos al vacío de la textura por la textura. Cualquier canción o intérprete puede enfatizar la melodía frente al ritmo o viceversa. Cuando no hay melodía ni ritmo sólo queda la textura del sonido emitido. Pues eso es lo que busca este experimentalismo industrial: aturdir al oyente con texturas que se toman como un fin en sí mismo.
Algo parecido ocurre con Innersphere (intérpretes del tema Out Of Body, que figura en los créditos de la recopilación a nombre de The Orb por ser éstos quienes lo mezclan), y con Apophasis (Et Nox Facta Est). Estos últimos no llegan tan lejos como Moon. Hay varias diferencias entre sus canciones: Omnipresence es totalmente instrumental, mientras que Et Nox Facta Est tiene algunas palabras humanas; en la segunda tenemos una percusión más definida y hasta alguna melodía minimalista.

Esta música desde luego no es gótico comercial, pero sí es oscura e intrigante (a veces hasta amenazante e incluso molesta). A mí me parece muy interesante de paladear. Lo que es indudable es que no acata los cánones de ninguna tendencia concreta y en esa libérrima acracia radica su creatividad y su valor.

A partir de los mejicanos Hocico escuchamos artistas que sí se someten a ciertos cánones. Nos movemos por los terrenos del electro (una de cuyas subcorrientes es el electro-dark) y el IDM (Intelligent Dance Music). Durante 3 canciones (aparte de Odio En El Alma), vuelven la melodía, la voz y, sobre todo, el ritmo.

Super Crush es cien por cien gótica y comercial. Prefiero las otras dos: 1000 Eyes (Alexander Kowalski) y While We Can (Droom), de una espesa densidad y una gran contundencia. En 1000 Eyes predominan el ritmo y la textura frente a la melodía. Me encantan sus cabalgadas progresivas y la cuidada adición de elementos sonoros unos sobre otros, en un didactismo que nos permite valorar tanto lo que suena como lo que no suena (si todas esas voces sonaran al unísono de principio a fin el oyente apreciaría muchos menos matices). Por su parte, While We Can es empalagosa y saturada. Me encanta cómo inunda de sonido el espacio en el que la oigo.

Los dos últimos temas suponen un fuerte contraste entre sí: Suni C (Download), desparrame de experimentalismo industrial, y A Natural Disaster (Anathema), contrapunto balsámico de la anterior. En realidad es la propia Suni C la que nos regala un final relajado, mientras el terrorífico narrador de la peculiar experiencia psicotrópica que supone la canción va describiendo las maravillas de su (probablemente química) alteración sensorial.

Suni C es cualquier cosa menos convencional: extrema, alucinógena y anárquica. Me encanta: you are everything. Hay que mencionar que los canadienses Download son herederos de Skinny Puppy (su ex-miembro cEvin Key es uno de los principales artífices de Download).

En cuanto a A Natural Disaster, es una bellísima balada con un puntito de arrepentimiento (no matter what I say, no matter what I do, I can’t change what happened, you just slipped through my fingers and I feel so ashamed).

Finalmente hay que mencionar que Canadá es un filón de artistas oscuros. Aparte de Skinny Puppy y Download tenemos también al dúo Droom, presente en esta recopilación con la intensa While We Can.
Febrero de 2005

Electrónica, ¿por qué no?

2008-05-04T02:35:00.013+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

El principio de esta reco es un bálsamo para los oídos: la tierna voz de France Gall, el amable acordeón de Gus Viseur, la misteriosa flauta de Bobby Jaspar y los prodigiosos saxofones de Don Byas y Joshua Redman. Entre estos dos últimos hay una larga pausa de 7 segundos totalmente premeditada. Aun tratándose de dos temas muy tranquilos, los estilos y épocas a los que corresponden distan un abismo entre sí, por eso lo más respetuoso era separarlos invitando a paladear el post-gusto del primero antes de entrar con el segundo.

El final de Cottage For Sale es el paradigma de cómo debe acabar una canción. Justo lo opuesto a las florituras de otros saxofonistas como Sonny Stitt, Sonny Rollins o el mismísimo Lester Young. Don Byas alcanza la excelencia por el camino de la sencillez y la sobriedad.

Joshua Redman es otro monstruo. Los registros lastimosos de su saxofón están llenos de matices. Parece increíble poder expresar tanto con un simple instrumento.

Redman abre la recopilación a las puertas de la modernidad. Il Neige es de 1966; Nuages, compuesta por Django Reinhardt, fue grabada en 1962; Flamingo, en la que Blossom Dearie toca el piano, data de 1956; y Cottage For Sale se grabó en 1952. En cambio, salta a la vista que We Had A Sister es posterior y, en efecto, Joshua Redman grabó ese disco (Wish) en 1993.

Tras Joshua Redman escuchamos a la inconfundible Sade, con la preciosa War Of Hearts. Su smooth jazz permite enlazar el siguiente corte: un temazo de jazz-funk a cargo de B Baker Chocolate Co. Bajos saltarines, sintetizadores… Nos encaminamos hacia el final vanguardista y abstracto de la recopilación.

Con Corduroy alcanzamos el clímax en cuanto a ritmo. Ahí la reco pega un frenazo en seco para introducir el exotismo de Martin Denny, Grundik & Slava, etc. A partir de entonces las texturas y los ritmos le ganan terreno a las melodías y un autor tras otro escapan todos hábilmente del etiquetado del crítico musical.

Ese final electrónico de mid-tempos heterodoxos probablemente sonará muy obsoleto dentro de unos años, pero ahora mismo parece más imaginativo y libre que otras tendencias cibernéticas más encorsetadas por rigurosos cánones como el house o el trance.

Por ejemplo, Ming & FS suelen hacer hip-hop y drum’n’bass, pero 80 Watt Parker no es catalogable ni como lo uno ni como lo otro. Bueno, lo mejor es oírlos, así que con esto termina el comentario a esta recopilación.
Febrero de 2006

Acid-jazz y otras finas hierbas

2008-04-28T23:11:00.030+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Extraña e irregular recopilación cuyos comienzos pueden despistar por completo al oyente.

Los temas 1 a 13 pueden suponer un viaje, riquísimo y variado, a lo largo de tendencias menguantes en intensidad y agresividad, pero conexas entre sí a través del hilo conductor que enseguida se revelará.

Los 3 últimos temas, en cambio, tienen propósitos conceptuales cuyo encaje para el oyente, como mínimo, resultará chocante.

Empezamos con el clásico de Judas Priest Breaking The Law, extraído de su octavo álbum llamado British Steel, de 1980. Se trata de la primera canción y el más popular single de uno de los discos de heavy-metal más vendidos de la época, con toda la afectación y teatralidad propias del género (la inclusión de sirenas de policía es patética). La evolución posterior del metal ha convertido en una inocente travesura adolescente lo que probablemente se concibió en su momento como una amenazante muestra de provocación y agresividad.

La versión que de este tema hizo Manolo Kabezabolo (Véndemelo) hace inevitable que quienes nos hemos hartado de oírlo esbocemos una sonrisa cada vez que escuchamos el original de la banda de Birmingham.
La duración de la canción (2:31), su letra subversiva y su estructura (sin virtuosos solos de guitarra intermedios y con una ingeniosa progresión de la batería antes del chorus to fade) la hacen apta para públicos punkies, lo que explica que suscitara el interés del Kabezabolo.

Lo más destacado del tema es su tremendamente pegadizo riff, repetido al principio de la canción, en su clímax intermedio (justo después de la redada policial) y en el chorus to fade.

Aprovechando el tirón de Judas Priest en cuanto a dureza y agresividad seguimos con un tema muy cañero a cargo de Pink Floyd: The Nile Song. Para mi gusto este tema es mucho más meritorio que el anterior. La batería de Nick Mason es sencillamente inconmensurable. El tema te hace vibrar de cabo a rabo. Es intenso, sucio y experimental, con una estructura peculiar y una instrumentación original imposible de catalogar. No es heavy (más bien sería hard rock), pero es más duro que el heavy y el paso del tiempo, por su alta dosis de creatividad, no le ha restado un ápice de interés. Esta música está por encima de cualquier moda. Hablamos de genios que se encuentran a años-luz de cualquier canon establecido o cliché comercial. The Nile Song pertenece al álbum More, en realidad una banda sonora, de 1969. Esta pieza tiene un enorme valor por sí sola, pero si además tenemos en cuenta la precoz época de la historia del rock en que vio la luz nos hacemos una idea de la auténtica dimensión de su significado.

El tercer tema también es de Pink Floyd, pero totalmente distinto del anterior. Cronológicamente se ubica justo a mitad de camino entre The Nile Song y Breaking The Law: 1975, año de publicación de Wish You Were Here, el álbum al que pertenece, dedicado a Syd Barrett, el genial miembro de Pink Floyd en su primerísima formación que apenas duró un par de discos y fue el principal culpable del psicodélico Piper At The Gates Of Dawn.

La progresiva Have A Cigar tiene un bajo saltarín y una chirriante guitarra de gusto funky. El grupo se muestra aquí permeable a las tendencias de la época (estamos en pleno corazón de los años ‘70), pero a la vez es muy palpable la impronta megalómana y psicodélica de la banda, con especial lucimiento esta vez del teclado y la guitarra.

El salto al siguiente tema (Jungle Strut, del James Taylor Quartet) se hace aprovechando el tirón funky de Have A Cigar. El ruido que se percibe entre ambos temas es original: ambos incluyen esa aspereza en sus respectivos fin y comienzo, lo cual fue un aliciente más para mezclarlos, aunque reconozco que el efecto es duro de digerir.

Se podría decir que ambas composiciones son muestras de funk-rock, aunque la canción de Pink Floyd es más heavy y la del James Taylor Quartet mucho más asequible y próxima a terrenos jazzísticos y poperos.
Wait A Minute es la primera canción de un álbum con el mismo nombre, editado en 1988. La verdad es que los James Taylor Quartet son un grupo fantástico y llega muy tarde su inclusión por primera vez en una recopilación mía. El sonido no es ochentero en absoluto, gracias a Dios (sabéis que nunca me canso de renegar de la musicalmente pésima era burguesa en que me tocó vivir durante la adolescencia, salvo honrosísimas excepciones, por supuesto).

El género musical que tocan los James Taylor Quartet es acid-jazz. Pues bien, la invención de este nombre se atribuye al famosísimo DJ Gilles Peterson, cofundador del sello Acid Jazz. Bajo el auspicio de ese sello se publicaron obras maravillosas por artistas como Mother Earth, Jamiroquai o los Brand New Heavies, que figuran un poco más adelante en esta misma recopilación.

Wait A Minute es pegadiza, bailable y preciosa. Me encanta su órgano hammond (¡a finales de los ochenta!) y la perfecta coordinación de todos sus músicos. El saxofonista es un mercenario que repite más adelante en los créditos de Paul Hardcastle: se trata de Philip Todd (Phil Todd en los créditos de Wait A Minute).
Hablando de saxofonistas, Gene Ammons es nuestro siguiente invitado. Este polémico personaje pasó largas temporadas en la cárcel por sus problemas con las drogas (entre 1958 y 1960 y después otra vez entre 1962 y 1969). Aquí ya estamos lidiando con jazz-funk del muy bueno. Desconozco quién es el organista, pero está a la altura de un Charles Kynard.

La inclusión de Jungle Strut a cargo de Gene Ammons justo después de Wait A Minute es un detalle de erudición: los James Taylor Quartet incluyen una versión del mismo tema en el propio álbum Wait A Minute.

Del jazz-funk al smooth jazz sólo hay un paso y ese paso bien puede ser Donald Byrd. Este trompetista lo fue de jazz puro en los años 50 y 60, bajo la corriente denominada hard bop, para luego corromperse por los terrenos de la fusión y el smooth jazz, que se caracteriza por las cajas de ritmos, los teclados y los coritos ñoños, es decir que sacrifica improvisación y carisma interpretativo a cambio de comercialidad y bailabilidad. De este modo, Donald Byrd pasó a ser rechazado por los fans del jazz más puro y a ser querido por los amantes del jazz-funk y la fusión.

Con el soul-funk de Never Stop (1991), de los Brand New Heavies la recopilación empieza a volverse claramente burguesa y comercial.

Con el siguiente tema parece que estuviéramos oyendo a Kenny G. o David Sanborn. Sin embargo, la sobreproducida Paradise Cove es obra de Paul Hardcastle, el mismo que a principios de los '80 tuvo un éxito extraordinario con la canción 19, que incluía pasajes hablados y versaba sobre la guerra del Vietnam. Aquí la identificación del empalagoso smooth jazz es total. A destacar el saxofonista mercenario Philip Todd, al que ya escuchamos con los James Taylor Quartet. A éste parece que le da lo mismo Juana que su hermana. Bueno, supongo que el chaval tendrá que comer.

El abuso de ritmos artificiales y teclados de Paul Hardcastle nos ha llevado a los paisajes sintéticos, ambientales y experimentales de Regrettable (Red Snapper), mezclada por Blue States y perteneciente al álbum Redone, de 2003. Este disco es una rareza porque en el mismo año 2003 se editan simultáneamente un álbum por Red Snapper llamado Red Snapper y un álbum de mezclas con las mismas canciones reconcebida cada una de ellas por un artista o DJ distinto. En este momento hay que destacar el carácter marcadamente londinense que ha tenido la recopilación hasta ahora: Pink Floyd, James Taylor, los Brand New Heavies, Paul Hardcastle y Red Snapper son todos de Londres (sólo Judas Priest son de Birmingham, como dijimos, y Ammons y Byrd son de USA: de Chicago y Detroit, respectivamente).

Tras ellos una dosis de ímpetu latino: Astor Piazzolla (Cité Tango) y Luciano Supervielle (Perfume). Ambos temas son electrónicos y el segundo de ellos mezclado por Campo (nombre artístico del uruguayo Juan Campodónico), pertenece al disco de mezclas del año 2003 Bajofondo Tango Club, en cuyos créditos figura el también uruguayo Jorge Drexler (coautor de la canción Perfume) a la guitarra acústica.

Los uruguayos están en racha, porque, mientras a Drexler le dieron el Oscar a la mejor canción original, a Bajofondo Tango Club le dieron el Grammy Latino al mejor álbum pop instrumental (que, curiosamente, no es ni pop ni instrumental).

En cuanto a Astor Piazzolla, es evidente que lo han mezclado, pues murió en 1992 a los 70 años de edad, cuando él era demasiado viejo para flirtear con la electrónica (aparte de que el disco The Tango Chill Out Experience del que se extrae es unos 10 años posterior al fallecimiento del artista).
Habiendo escuchado a Donald Byrd con su You & Music y a Piazzolla sería difícil apuntar alguna concomitancia entre ambos. Hemos de ir a París a buscarla: ambos fueron discípulos de Nadia Boulanger, una de las mejores profesoras de música del siglo XX (Piazzolla en 1954 y Byrd en 1963). Otros aventajados alumnos de la Boulanger fueron Quincy Jones, Philip Glass y Michel Legrand (culpable de la banda sonora de la película de James Bond de 1983 Nunca Digas Nunca Jamás, en uno de esos paréntesis del acaparador John Barry).

A continuación el tema Upward Bound Experience, de los barceloneses Stigmato Inc. Es una alternancia de downtempo y ritmos chill-out de gusto jazzístico bajo la narración de la vocalista Danna Leese, que nos conduce a través de esta experiencia relajante.

Para continuar recibiendo instrucciones o mensajes hablados sobre un fondo de música artificial traemos a Epsilon Minus con su Red Alert. El nombre del grupo me encanta, ya que evoca la novela Un mundo perfecto de Aldus Huxley (los epsilon minus eran en esa utopía los miembros menos inteligentes de entre todas las castas genéticas de aquella extraña sociedad). Red Alert se pasea entre el synth-pop y el IDM (Intelligent Dance Music) y pertenece al álbum del año 2004 Reinitialized, con colaboraciones de vocalistas femeninas de grupos como The Azoic o Distorted Reality.

Red Alert refleja los intentos de una máquina por que un humano no se eche novia y la alerta va pasando por distintos colores hasta llegar al rojo (novia inminente). Por supuesto, el ritmo progresivo acompaña perfectamente la creciente proximidad del riesgo en cuestión.

Con este cibernético alarde de vanguardismo tecnológico la recopilación llega a su fin. Ésta es la última de las 13 canciones de que consta su cuerpo principal.

¿Qué pasa entonces con las otras tres?

La primera es Pussy Cat, de Cy Coleman (cortesía de Ultra Lounge), que utilizo a modo de end titles: si la recopilación fuera una película, justo al empezar Pussy Cat habría un fundido en negro, aparecerían los créditos y, en el cine, la gente empezaría a ponerse de pie.
Es una exquisita pieza de light music en la que la placidez de las cuerdas contrasta con el marcado ritmo inicial de piano y contrabajo. Perfecta para hacer pensar al espectador en todo lo que acaba de presenciar.

La segunda supone un salto de la gran pantalla a la pequeña: Top Cat, el gato de aquellos inolvidables dibujos animados.

Y, por último, después de los dibujitos, los niños se van a la cama con el peculiar mensaje punk de Manolo Kabezabolo que supone el definitivo cerrojazo a la recopilación, eso sí, con cierta simetría si tenemos en cuenta la inevitable evocación del Véndemelo que suponía el Breaking The Law inicial.
Marzo de 2005

Amor inocente y puro

2008-04-26T03:23:00.018+02:00

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Lista de canciones (tracklist)
Esta reco bien podría ser un homenaje a los años 50. De esa gloriosa década datan las siguientes grabaciones: Gus Viseur (1955), Henri Crolla (1956), Tal Farlow (1952), Jimmy Smith (1958), Jackie McLean (1955), Mary Lou Williams (1954) y Thelonious Monk (1951), es decir prácticamente la mitad de los temas de la reco.

Ahora bien, ya que hablamos de cronología, la distribución de las canciones es muy curiosa desde ese punto de vista, ya que los comienzos son justo del ecuador del siglo XX, después hay un paréntesis finisecular (acariciando incluso los albores del siglo XXI) y hasta electrónico, y al final caemos en picado en una visión retrospectiva que nos traslada hasta los años 30.

Precisamente que esa marcha atrás no resulte forzada es uno de los méritos de la recopilación.

Para ello se han tenido que hilvanar perfectamente texturas, ritmos e instrumentaciones, transición a transición, con el objeto de alcanzar una cohesión total y una línea argumental totalmente definida.

Para empezar, todos los temas son instrumentales menos las dos joyas de los años treinta que sirven de colofón a la recopilación (únicamente en Bright Nights, de Koop, hay algunos coritos).

Los cuatro primeros temas tienen un claro predominio de la guitarra: Boulou Ferré (junto al acordeón de Gus Viseur), Henri Crolla, Tal Farlow y Kenny Burrell (junto al órgano de Jimmy Smith).

Precisamente el órgano de Jimmy Smith nos permite coquetear con la electrónica (downtempo) en los temas 5 (Koop, 2002) y 6 (Fila Brazillia, 1999).

Y de ahí pasamos a tres temas contemporáneos del sello ECM: Sclavis (tema 7, grabado en 2005 y editado en 2007), Garbarek (tema 8, grabado en 2003 y editado en 2004) y Motian (tema 9, grabado en 2004 y editado en 2006).

Las tres grabaciones cuentan con saxofones como hilo conductor (los metales continuarán con Marshall Brown –pista 10- y Jackie McLean –pista 11-) y las dos primeras tienen teclados (continuación de los temas de Koop y Fila Brazillia). Paul Motian es, por tanto, de los tres artistas de ECM aquí representados, el de corte más tradicional (no en vano Goodbye Pork Pie Hat es una composición de Charles Mingus), lo que lo convierte en el nexo perfecto entre temas contemporáneos y temas cincuenteros (realmente la pista de Marshall Brown es de 1965, lo que encaja mejor si cabe en esa dulce retrospectiva).

El siguiente bloque está dominado por el piano. Jackie McLean toca el saxofón (que es primordialmente lo que venimos de escuchar) acompañado por Mal Waldron. A partir de ahí dejamos de lado los metales y nos recreamos con pequeños tríos de jazz de piano, bajo y batería (Erroll Garner, Mary Lou Williams y Thelonious Monk, éste último acompañado nada menos que por Art Blakey a las escobillas).

Estos tres pianistas son unos monstruos. Especialmente Garner y Monk tienen una forma personalísima de tocar. (Como curiosidad mencionaremos que Erroll Garner fue totalmente autodidacta y no sabía leer una partitura, por lo que siempre tocaba de memoria).

Aunque el clarinetista Benny Goodman es más conocido por su orquesta, aquí lo traemos en un trío (del que Gene Krupa era el batería) para seguir con los pianos (el intro lo hace el teclista en solitario). Como novedad se incorpora una voz femenina: la dulce Helen Ward, que da paso a otro tema de Gene Krupa, esta vez sí orquestal (big band, swing) y con Irene Daye a la voz.

Too Good To Be True es una balada deliciosa y Never Felt Better, Never Had Less también resulta encantadora por el mensaje sencillo, aunque ciertamente utópico, que lanza: no necesito dinero, con el amor soy feliz, viene a decir. Por cierto, Daye es también autora de la letra.

Por supuesto, no sólo se han tenido en cuenta los instrumentos a la hora de ordenar los temas. Desde el punto de vista emocional, la reco empieza con un melancólico acordeón parisino, que resulta más onírico aún gracias al xilófono que lo acompaña (el xilófono aparece en más cortes: el mismísimo Red Norvo toca en el tema de Tal Farlow). Esa sencilla melancolía se va sofisticando y complicando hasta convertirse en una taciturna solemnidad cuyo clímax puede situarse indistintamente en la bellísima tristeza de Jan Garbarek (vaya diálogo entabla su saxo soprano con la viola de Kim Kashkashian) o en el lúgubre (casi fúnebre) trombón de válvulas de Marshall Brown.

Después, en cambio, cuando los pianos prescinden de los metales, progresivamente se recupera la sencillez y se eleva el ánimo, alcanzando un segundo clímax con los dos temas vocales, esta vez en un cenit de festivo candor.

Por último, si el arpa es un instrumento a mitad de camino entre la guitarra y el piano, hay dos artistas en esta recopilación que no tocan el arpa pero se acercan: me refiero a la guitarra de Tal Farlow (el fragmento con uña) y al piano de Erroll Garner (de quien se llegó a decir que tocaba el piano como una guitarra). Ambos resultan angelicales pero sin mojigatería, lo cual es difícil porque, en cualesquiera otras manos, la ternura con la que juegan podría haberse tornado en una ñoña caricatura de la pureza de intenciones que reflejan.
Diciembre de 2006

Una bonita selección de standards

2008-04-20T23:32:00.024+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Tras varias recopilaciones variopintas ésta es casi un monográfico: jazz amable, elegante y bastante antiguo. Los 8 primeros temas son clásicos inmortales y los 5 últimos tienen más influencias del funk, el soul y el rock.

En cuanto a compositores, Cole Porter está presente con las dos versiones de I’ve Got You Under My Skin y la pícara Always True To You In My Fashion; los hermanos Gershwin aparecen con Let’s Call The Whole Thing Off; y Arthur Johnston & Sam Coslow (juntos) nos regalan dos temazos: My Old Flame y Cocktails For Two.

Porter y los Gershwin no necesitan presentación. De Johnston y Coslow sí podemos destacar que fueron unos monstruos de los años ’30 (Johnston es el culpable, por ejemplo, de la música de Candilejas de Charlie Chaplin).

A nivel de intérpretes, el cartel de la reco es sublime: Ella Fitzgerald & Louis Armstrong, Dizzy Gillespie (tres apariciones), Dinah Washington, Blossom Dearie y el genial dúo formado por el guitarrista Herb Ellis y el saxo tenor y clarinetista Jimmy Giuffre (dos apariciones extraídas de su álbum en común editado por Verve en 1959).

Finalmente, como productor, un nombre: Creed Taylor, al que se deben los temas 9 a 12, publicados bajo su sello CTI (Creed Taylor, Inc.). Por cierto, Creed Taylor es un ex de Verve.

Hechas las presentaciones, adentrémonos un poco en el contenido del CD.

El talento de Gillespie para las baladas es extraordinario: asombra cómo puede concentrarse tanta belleza en apenas dos minutos (sólo una de las tres canciones suyas incluidas en esta reco excede de tres minutos de duración).

De las presentes en esta reco, Cocktails For Two es mi favorita. Se trata de un temazo sobrecogedoramente bello, hasta el punto de que las palabras carecen de valor para describir la emoción que produce su audición. Es un diálogo entre la penetrante trompeta de Dizzy y el saxo tenor de Don Byas, que le sirve de contrapunto meloso. Son fascinantes los silencios del resto de instrumentos dejando hablar al maestro. Junto a esas pausas dramáticas es destacable el control del ritmo, variable al capricho del dios de la trompeta como un velero de papel en manos del viento.

(Byas, estadounidense, se fue pronto a vivir a Europa, a países como Francia, Holanda y Dinamarca, lo que explica que no haya pasado al Olimpo de los Más Grandes Músicos de Jazz de todos los tiempos. Pero su talento es indiscutido. Su colaboración con Dizzy en esta grabación de Cocktails For Two no es casual: los tres temas de Gillespie recopilados aquí fueron grabados en el Teatro de los Campos Elíseos de París entre 1952 y 1953 y el trompetista, en sus frecuentes visitas a la capital gala, tiraba, con buen criterio, siempre que podía, de músicos americanos afincados en París o que se encontrasen en ese momento de gira por Europa).

Inmediatamente por debajo del maestro, debo reconocer el trabajo de Herb Ellis y Jimmy Giuffre, que se reencontraron en 1959 después de haber tocado juntos muchos años atrás, según nos cuenta Verve en este cotizado CD de sólo 6.500 copias de tirada.
La guitarra de Ellis es cálida y suave y su combinación con el resto de instrumentos resulta muy placentera y reconfortante. El líder es el guitarrista: los demás, claramente, le acompañan. El omnipresente Herb Ellis, curiosamente, también tocó con Blossom Dearie y con el dúo Fitzgerald-Armstrong, bajo el auspicio de Verve. Todo queda en casa.

Dinah Washington fue una intérprete muy criticada en su época en los círculos jazzísticos por su peculiar forma de cantar, con perfectas y exageradas vocalizaciones, casi más hablando que cantando. Su hit más famoso fue What A Diff’rence A Day Made. En esta ocasión tiene la mala suerte de cantar I’ve Got You Under My Skin junto a tres trompetistas fantásticos que le hacen sombra (cuando terminan los tres solos consecutivos el público rompe a aplaudir espontáneamente sin reparar en que la Washington ha empezado a cantar otra vez). Para mí las trompetas también son lo más destacado de este tema (este trío de trompetistas fue muy célebre en su época: Clark Terry, Maynard Ferguson y Clifford Brown).

Como juego de palabras me he permitido abrir esta reco con I’ve Got You Under My Skin y cerrarla con un tema de The Coasters (Poison Ivy, 1959) en cuya letra se dice she’ll really do you in if you let her get under your skin. La primera canción es la confesión de un gran amor; la última, la advertencia del daño que te puede hacer. Como curiosidad, Poison Ivy es el nombre de guerra de la guitarrista del grupo de psychobilly The Cramps.

Obligado es hacer mención de Blossom Dearie, con su inconfundible, candorosa y cómica voz, que le viene como anillo al dedo al irónico tema de Cole Porter Always True To You In My Fashion. La falsa inocencia de la Dearie plasma a la perfección, al compás de una marimba saltarina, las sutilezas de Porter sobre la (in)fidelidad en un ambiente snob.

Para cerrar los comentarios a la parte más antigua de la recopilación hay que alabar el mítico dúo Fitzgerald-Armstrong. Let’s Call The Whole Thing Off (Gershwin) es simpatiquísima, y qué decir del carisma de sus intérpretes.

Cambiando de tercio, casi todos los temas de soul-jazz de CTI pecan de un largo minutaje y los traídos aquí no son una excepción.

Comencemos por Pieces Of Dreams, de Stanley Turrentine (saxo tenor). Es un tema de 1973 en cuyos créditos figuran nada menos que Bob James e Idris Muhammad. La estructura de esta canción es simple: una bella melodía al principio y al final, y en medio minutos y minutos de desparrame a cargo de insaciables virtuosos que se van pasando la pelota con respeto y autocomplacencia. La melodía es entrañable. Gillespie habría hecho de ella un baladón de dos minutos y medio, en vez de un muermo de casi 8 minutos.

Lo mismo puede decirse de It’s Too Late, de Johnny Hammond, de 1971, sólo que ésta dura casi 11 minutos. El órgano de Hammond es una maravilla y en este tema Creed Taylor echa a pelear a dos saxofonistas: Hank Crawford (alto) y Grover Washington Jr. (tenor). En mi modesta opinión, es más inspirado el saxo alto (Crawford), que es el primero en intervenir. El tema también tiene solos de guitarra y de órgano (por tiempo no será). Son músicos muy brillantes, eso no lo duda nadie, pero el tema es un exceso redundante. Como curiosidad hay que decir que It’s Too Late la compuso Carole King.

La canción número 11 de la recopilación es Little Baby, compuesta e interpretada por Patti Austin en 1977. La bien dotada voz de la Austin llena de frescura este tema, que se hace mucho menos pesado que los anteriores. Dura sólo cuatro minutos y su exhibicionismo virtuosista se reduce a un solo de saxo tenor por parte de Michael Brecker. CTI fue una gran fábrica de discos y una especie de club de mercenarios: por ejemplo, el guitarrista Eric Gale tripite en esta recopilación (aparece en las canciones 9, 10 y 11 que acabamos de comentar, todas ellas de CTI).

El repaso al sello de Creed Taylor lo terminamos con una pieza de latin-jazz: la exótica, frenética y pegadiza Pastime Paradise. Aquí hay que quitarse el sombrero: Charlie Palmieri al piano (qué piano más latino), Ray Barretto a las congas y Tito Puente a los timbales. A ver quién es capaz de no mover algún músculo mientras oye esta canción. La percusión latina de Barretto y Puente es una gozada en sí misma cuando se lucen en sus interminables solos, pero también es un aderezo exquisito que hace mucho más sabrosos los solos de otros músicos como el guitarrista (John Tropea) y el saxofonista (Joe Farrell). El vocalista queda ensombrecido por tamaño ejército de virtuosos, pero hay que dar su nombre (Willy Torres) para que nadie piense que es Barretto el que canta. El gran público recordará la melodía por su inclusión en la banda sonora de Mentes Peligrosas (con Michelle Pfeiffer, 1995), en la que Coolio interpretaba este tema metamorfoseado en Gangsta’s Paradise. Lo que menos gente sabe es que el tema original fue compuesto por Stevie Wonder.

Para romper con tanta sofisticación y sobreproducción (es decir exceso de celo en la producción), cerramos la recopilación con un tema de doo wop: Poison Ivy, un poco de sonido sucio y sencillo a cargo de los Coasters.
Esta recopilación es menos sorprendente que otras por su falta de variedad, pero los artistas y compositores incluidos en ella son genios que es preciso conocer y resulta muy agradable disfrutar con su audición.
Diciembre de 2004

Corrupción progresiva

2008-04-15T23:14:00.021+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

David Rose compuso Gay Spirits en 1946. Este prolífico autor es el padre, entre muchas otras obras, de Bonanza, La Casa De La Pradera y The Stripper.

Gay Spirits ejemplifica a la perfección la música ligera y facilona de Rose, caracterizada por unos vientos que llevan la melodía como si fueran un coro y unos metales que hacen de simple acompañamiento percusionista. Poniendo bien el oído se aprecia perfectamente el muy distinto rol que juega cada sección.

Tras Gay Spirits escuchamos a Lalo Schifrin, que interpreta Murmurio, compuesta por Djalma Ferreira. Esta canción se extrae de Piano, Strings And Bossa Nova, de 1962, disco producido por Creed Taylor, fundador más tarde del sello CTI (Creed Taylor, Inc.), que tantas satisfacciones nos dio a los amantes del jazz-funk en los ’70. Schifrin es famoso por componer Misión Imposible, entre otras. Murmurio es un diálogo entre el piano de Schifrin y su sección de vientos, con una suave percusión brasileña de fondo.

Esta pieza casa bastante bien con la que le antecede debido únicamente a los violines, ya que el piano y la ausencia de metales son palpables diferencias con el tema de Rose. Tiene mucho más carácter (aquí no hay tanta mojigatería: Lalo aporrea el piano con firmeza y decisión), pero aun así guarda las formas y es una canción elegante y exquisita.

A continuación viene Mr. Kiss Kiss Bang Bang interpretada por Shirley Bassey. Con este tema de John Barry damos un paso más: tanto la orquesta como la vocalista son deliberadamente exageradas, como si la hipérbole fuera la única forma de expresividad. El papel se cumple a la perfección si tenemos en cuenta que todo se hace en loor de James Bond. Con esta canción de 1965 el dramatismo de la recopilación toca techo. Ahora la voz cantante la llevan, aparte de la vocalista, obviamente, los metales y la percusión, más capaces de impresionar que los vientos. El otro recurso en que se apoya Barry es el de subir y bajar bruscamente la intensidad, creando unos contrastes más llamativos aún. Puro exhibicionismo.
Y hablando de exhibicionismo, el tema The Stripper es lo más chabacano que uno se puede echar a la cara: cómico, desvergonzado, casi grosero. Hemos cruzado la línea: si la pomposidad de Barry quedaba al borde del abismo de lo hortera, con Joe Loss y Su Orquesta hemos caído de lleno en la más hilarante ordinariez. El tema se hizo mundialmente famoso por la película The Full Monty, de 1997, pero vio la luz como disco ya por 1962 y había sido compuesto incluso antes, en 1958, para un programa de televisión. Destaco dos notas de la canción: la primera es el hecho de que David Rose sea su compositor (¿qué quedó de la inocencia de Gay Spirits, la ñoña canción con la que se abre la recopilación?; viva la versatilidad); y la segunda, el papel de la batería (una batería en el sentido roquero de la palabra), que convive perfectamente con la orquesta y se pega unas parrafadas tremendas (si no, prestad atención a los últimos acordes del tema).

Luego tenemos el tema de la película They Call Me Mr. Tibbs, de 1970, en la que Sidney Poitier da vida a un detective que investiga el asesinato de una prostituta. La trama no es cómica y seguro que tampoco lo era la intención de Chaquito & His Band (¡joder, si es cómico hasta el nombre!), al grabar la canción. No, en serio. Ni el Chaquito éste ni Quincy Jones, responsable de la banda sonora, quisieron producir un tema risible. Estoy convencido. Pero el paso del tiempo hace estragos y lo que en una época es lo más in treinta años después te hace morir de risa.

Y si no que se lo digan a Juan Carlos Calderón. Éste pertenece a la saga de autores españoles de jazz-funk orquestal, junto a Alfonso Santisteban y el inconmensurable Augusto Algueró. Mafioso es un temazo que hoy puede resultar cómico, pero que sin duda es altamente meritorio.

Volviendo al tema de Chaquito, al margen de la sonrisa que nos haga esbozar su audición, es una maravilla: metales estridentes, órgano hammond, parece mentira que sea un tema sólo de 1970: esto es setentismo en su máximo apogeo.

Y el de Juan Carlos Calderón tiene una guitarra funkilona y un bajo saltarín apoteósicos. Es un tema riquísimo: órgano, percusión, coros, orquesta… hasta una mandolina, quizá con la misión de evocar el oscuro origen mediterráneo del protagonista de Mafioso. El talento de TVE al servicio de la moda (extranjera) imperante. ¿Franco no se dio cuenta de esto? La verdad es que el Generalísimo ya no estaba para muchos trotes.

Max Greger introduce la recopilación por el camino del rhythm'n'blues. Soul House, aparentemente compuesta por Lex Humphries, está magníficamente interpretada por esta big band europea, la mejor jamás formada según cuenta la leyenda. Greger era alemán y se rodeó de músicos de toda Europa con los que tenía que hablar en inglés, pues pocos de ellos sabían alemán, formando una big-band a la altura de las mejores de USA. La televisión pública, en este caso, también fue la mecenas de esta orquesta. Y es que esto daría para una tesis doctoral: papel de las televisiones públicas en los años 60 y 70 en el florecimiento de formaciones musicales de calidad.

Aunque lo parezca, Pure Cane (a cargo de Sugarman Three) no es un clásico de los setenta. Dicho técnicamente, no pertenece a la era funk sino a la oleada retro-funk de finales de los 90 y principios del 2000. Los dos temas siguientes se extraen de las recopilaciones del sello Blow Up, que se nutre de grabaciones sesenteras y setenteras de la BBC para radio y TV (volvemos al patrocinio público).

La predominancia del bajo en el último de los cortes me dio la idea de cambiar de tercio en la recopilación. Tras Teenage Chase metemos a The Clash y, como diría Alfonso Guerra, a esta recopilación ya no la conoce ni la madre que la parió.

Como resumen de los primeros diez temas podemos decir que la reco arranca en los años cuarenta desde premisas inocentes y orquestales (Rose); después mantiene la orquestalidad, pero su inocencia se va corrompiendo, pasando por varios estadios: vigor (Schifrin), exhibicionismo (Barry) e impudicia (Loss); a continuación la orquestalidad también se intoxica con la presencia de instrumentos ajenos (batería, bajo, guitarra, órgano…) y de tendencias contemporáneas (rhythm'n'blues, funk…) que terminan por excederla y hasta extinguirla.

La segunda mitad de la recopilación son otros diez temas.

La canción de The Clash The Guns Of Brixton es una de mis favoritas dentro de esa piedra angular que es el London Calling de 1979. Como curiosidad, es la única del álbum compuesta por Paul Simonon (a los de Columbia se les fue la olla y ponen en los créditos Paul Simon!!!). Es un reggae muy personal, con letras de confrontación social y una actitud claramente punk en el vocalista. Cuando el bajista es el autor de una canción se suele notar, y aquí ocurre esto.

De ahí pasamos a un reggae más puro, con los Mussington Brothers, que versionan el clásico de John Lennon Imagine. Estos caribeños son capaces de inundar de alegría hasta la mayor de las melancolías.

El reggae está emparentado con dos géneros musicales: el dub (por la parte más ambiental, lenta e instrumental) y el ska (por la parte más acelerada, bullanguera y radical). Los dos temas siguientes son de dub, ese estilo musical cuyo origen son las caras “B” de los singles de reggae. Para no resultar academicista, me limitaré a subrayar una sola característica del dub (inconfundible): que la voz humana sampleada se convierte en un instrumento más. Esto es fácil de apreciar en el tema de Fermín Muguruza.

No sé por qué los ambientes underground y radicales son tan proclives al reggae. Supongo que para esta gente Jamaica, Bob Marley, el Che Guevara y la marihuana están juntos en el mismo saco. El comienzo de ese maridaje lo tenemos en el punk (ya hemos visto cómo The Clash flirtearon con el reggae, y eso que The Guns Of Brixton puede ser uno de los exponentes más disimulados de ese flirteo).

Y en España tenemos a Fermín Muguruza (si me lee me mata, por lo de España). Al líder de Kortatu le encantan el reggae, el ska, el dub y The Clash. De hecho, ha versionado como mínimo dos temas del London Calling (Jimmy Jazz y la propia The Guns Of Brixton). La verdad es que no puedo más que alabarle el gusto. Además, el tío no es tonto: para mezclar su tema Urrun Dub se ha pillado al Mad Professor, que es una eminencia en la materia (y, bueno, decir que se lo ha pillado para que se lo mezcle, tratándose de un dub, es como decir que se lo ha pillado directamente para que se lo grabe).

Si hay otro monstruo del dub aparte de Mad Professor, de King Jammy y de King Tubby, ése es Lee 'Scratch' Perry. El tema Hole Of Death de Perry sigue al de Mad Professor y si pegan uno a continuación del otro no es de extrañar, pues ambos artistas son tan afines que llegaron a grabar juntos en una ocasión.
La siguiente canción es Kingdom Come, de Godflesh. Esto es dub maligno. La voz susurrante del cantante parece amenazar con la llegada del juicio final. Y todos los efectos dub van en la dirección de atormentar el ambiente.

A Godflesh les siguen Download (el que quiera hacer una búsqueda de este grupo con el Google lo lleva jodido). Download practican un downtempo minimalista y experimental, con abuso de la electrónica y guiños tanto al drum’n’bass como al dark ambient.

Amparado bajo la misma oscuridad fluye el drum’n’bass, ya evidente, de Happy Campers, con el tema No Mind. Atentos al cambio de Download a Happy Campers porque encontré unos acordes tan parecidos en ambas que parece que la mezcla está hecha en estudio.

E-Z Rollers (Synesthesia) le dan un poco de vidilla a la cosa. Su ritmo es más rápido y agresivo. Drum'n'bass radical (no para los fans de culto del jungle, pero sí para el público en general al que van dirigidas estas recos).

El tema de Plateau es intrigante y más experimental aún que los anteriores. Al final su ritmo se vuelve totalmente lineal y admite ser mezclado con un tema house.

En efecto, la última pista del disco es un tema clásico de jazz-house a cargo de Dennis Ferrer, uno de los grandes fichajes del sello Large. Palisade Park supone un alivio después de la fricción de Chateau Plateau. Volvemos a los orígenes: jazz-funk, hammond y una trompeta portentosa, la de Leron Thomas, que es un auténtico músico de jazz en activo que, al margen de estas colaboraciones discotequeras, se dedica a dar giras con su quinteto.

La segunda parte de la recopilación ha sido mucho más actual, electrónica y vanguardista. Comenzó de la mano del reggae, el punk y el dub, para ensombrecerse después con dark ambient, downtempo experimental y drum’n’bass, volviendo a mostrarnos la luz al salir del túnel con un tema de elegante y luminoso house al estilo más tradicional.

Al final, si sirve para algo esta recopilación, igual que todas, es para proclamar la grandeza de la música, su variedad y calidad, y descubrir los extraños compañeros de cama que puede uno encontrarse a lo largo del camino.
Octubre de 2004

Guitarras, improvisación y experimentalismo

2008-04-14T22:57:00.028+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Los comienzos de esta reco están dominados por guitarras acústicas dulces y tranquilas. La primera es de Noosfera, nombre artístico del italiano Cesare Marilungo, y viene envuelta en una nube ambiental.

Le sigue la balada irlandesa medieval (folk, modern classical) que interpreta el checo Michal Hromek y tras éste el dúo Da Lata, que abandonan excepcionalmente su agitación electrónica habitual para regalarnos un breve tema exento de percusión pero no de belleza.

Si el nexo de unión de las tres primeras canciones fue la guitarra (válido también para la cuarta de Bill Frisell, que así hace de puente entre dos trilogías), los cortes 4, 5 y 6 tienen en común el que sus intérpretes han sido todos fichajes del sello ECM, incluso con colaboraciones entre sí.

El acrónimo ECM reza por Editions of Contemporary Music y me ha parecido de tal calidad y vanguardismo que hace semanas que no compro otra cosa. Jan Garbarek, Louis Sclavis, Arild Andersen, Paul Motian… todos pertenecen o han pertenecido a sus filas y serán sin duda reclutados en próximas recopilaciones.

Mi discoteca no es precisamente exigua, pero, no sin pecar de maniqueo, se le podría achacar un divorcio entre la arcaica colección de instrumentistas clásicos y la futurista pléyade de artistas electrónicos y exacerbados roqueros, centrados los unos en el baile y los otros en la radicalidad sonora más extramuros.

ECM tiene la virtud de conciliar lo mejor de ambos mundos. En sus esmerados trabajos suele haber algo de jazz y en todo caso siempre solistas reales, y la música que fabrican se aleja de cualquier moda y cliché, pudiendo aplicársele el atributo de auténtica sin corromper el vocablo. Pero, a la vez, son obras totalmente actuales, de gran innovación en lo compositivo e instrumental y en las que no faltan guitarras eléctricas, teclados ni baterías programadas o sampleadas, si bien estas delicias electrónicas nunca son el plato fuerte de sus temas sino un simple aderezo administrado con sabia mesura.

Casi al final de la recopilación tenemos la particularmente emotiva y sugerente Electra Song, con letras de Sófocles en griego original, por el Arild Andersen Group, cortesía de ECM.

Tal es el carisma de Savina Yannatou (Σαβίνα Γιαννάτου), que detrás de su lamento sólo cupo un mudo tema instrumental, con la sobriedad del trío clásico de jazz: bajo, piano y batería, a cargo de Henri Texier, cuya presencia en esta reco se debe a la visita que hizo a Sevilla, aunque no me acerqué a verlo al Teatro Central.

Pero no nos desviemos del orden de audición. Estábamos con la serie de tres canciones de artistas de ECM: Frisell, Motian, Jarrett, o lo que es lo mismo, guitarra, batería, piano. Podían formar un trío y casi lo hicieron: Frisell y Motian grabaron en el 95 junto con Joe Lovano en lo que se dio en llamar el Paul Motian Trio.

El trabajo del aclamado y galardonado Bill Frisell siempre resulta interesante para los oídos que gustan de la innovación y el mestizaje. Listen se extrae del álbum The Intercontinentals, que delata su vocación de pluralidad desde el propio título.

Me gusta más la canción de Paul Motian (Prelude 2 Narcissus, 2006), en la que el prestigioso batería se hace acompañar nada menos que de tres guitarras eléctricas (aún perdura el leitmotiv de los primeros pasos de la reco), que con todo resultan casi imperceptibles por la enorme sutileza del corte.

Y la trilogía la cierra Keith Jarrett deleitándonos con su piano, aunque acompañado también por la guitarra de Sam Brown. El que no toca en There Is A Road (God’s River) es Paul Motian. Esto sí que tiene gracia, pues el doble álbum del que se extrae el tema (Expectations, 1972), tiene 11 cortes y en todos ellos está presente Paul Motian, salvo en el que reproducimos aquí.

Hasta el corte número 6 de Jarrett, la reco ha estado dominada por las guitarras, señaladamente al principio, y casi libre de percusión, creando una atmósfera intimista y relajada.

En cambio, el tema 7 (Kabbalah), por Steve Coleman And Five Elements (sello Label Bleu, 2003), es una cabalgada progresiva de libre improvisación. Precisamente su progresividad es la que permite ligarlo con el tema anterior. Kabbalah es riquísima en matices y contrastes, extraña y cargante, no apta para todos los estómagos.

Como no podía ser de otra forma, ya nada será igual en esta recopilación. Hoy estaría de moda decir que la reco empieza a desbarrar a partir del corte 7, en el sentido de que pierde un poco el norte y está llena de temas carentes de cordura. Para mí es todo lo contrario: la sucesión de Christiane Legrand, Le Jazz Groupe de Paris y André Hodeir es gloriosa, una amalgama exquisita de blues, swing, libre improvisación y experimental (sustantivo). Hay que tener en cuenta que estos tres temas se grabaron entre 1956 y 1960, lo que los hace doblemente meritorios.

Jazz Et Jazz se grabó con la ayuda del Groupe De Recherches Musicales de la RTF (de ahí sus efectos especiales). Y en los otros dos nos podemos recrear con la soprano Christiane Legrand, cuya discografía comprende, entre muchísimas otras participaciones, un tema con el sugerente título de Bach-Anal, en la banda sonora de la película Emmanuelle 4. Si una trompeta o un saxo pueden hacer libre improvisación, ¿por qué no la voz humana?

A continuación la hipnotizante Misterioso, compuesta por Thelonious Monk e interpretada en este caso por el Bobby Jaspar Quartet. (Aquí podemos comprobar de nuevo cómo en el jazz todo queda en casa: Bobby Jaspar fue el marido de Blossom Dearie, fundadora de Les Blue Stars, grupo vocal al que también perteneció Christiane Legrand).

Misterioso (1958) es un precioso diálogo en contrapunto entre la flauta de Jaspar y el vibráfono de Michel Hausser.

Para cerrar la reco hemos traído al organista Eddy Louiss, interpretando un bellísimo tema de Gershwin junto con el trompetista y director de orquesta Ivan Jullien, y tras él los mencionados cortes de Sófocles y Texier (por cierto, Label Bleu otra vez).

Estaba claro que tras el clímax de la Legrand no podía bajarse de golpe a un final de reco plácido. El minuendo se ha hecho gracias a Jaspar y a Eddy Louiss. En el tema de este último hemos aprovechado el gravísimo acorde final de la tuba de Marc Steckar para dar paso a la solemne Electra.

Noviembre de 2006

Frenesí

2008-04-13T17:19:00.026+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Empezamos con Death Of Fiona, extraída de la banda sonora de la película Operación Trueno, del año 1965. El compositor, como en muchísimas otras películas de James Bond, es el mítico John Barry.

Se trata de una pieza de gran intensidad dramática, gracias a la trepidante percusión latina. Reconozco no haber visto la película y, por tanto, soy incapaz de describir la escena que tiene lugar con Death Of Fiona de fondo. Sin embargo, el título de la canción y su estructura y expresividad son suficientes para evocar a la perfección la escena de un estrangulamiento o apuñalamiento, en el que la víctima no puede ser socorrida y el asesino se da a la fuga tranquilamente sin levantar ninguna sospecha.

La cosa ha empezado movidita y la imaginería y plasticidad del tema de Barry me permiten introducir una canción que llevaba tiempo queriendo recopilar sin encontrarle un hueco. Es la extraña Cubana Be, Cubana Bop, de Dizzy Gillespie, grabada en Nueva York en 1947, con Chano Pozo a la voz y, sobre todo, a las congas. Chano Pozo, nacido en La Habana, fue uno de los culpables del afro-cuban jazz de los años 40. Su carrera se abortó cruelmente un año después de grabar esta canción con Dizzy cuando fue asesinado en un bar de Nueva York, precisamente, cuando sólo tenía 33 años (la muerte nos persigue, de momento, en esta recopilación).

Cubana Be, Cubana Bop hace un juego de palabras con el término bebop, corriente musical dentro del jazz en la que se encuadraba Gillespie cuando conoció a Pozo. De hecho, la música de Gillespie, cuando incorpora elementos latinos, en especial la percusión, ha sido conocida después como cubop, abreviatura de cuban bebop.

Cubana Be, Cubana Bop son, como su nombre indica, dos canciones unidas. Están grabadas en la misma pista, con una larga pausa silenciosa entre ambas, que he mantenido por respeto al original. Son tan intensas y, en mi opinión, psicodélicas, que eran difíciles de encajar en una recopilación cualquiera. Sin embargo, tras Death Of Fiona quedan bastante bien, prolongando la atmósfera de expresivo frenesí latino.

El tono cambia bruscamente con la siguiente canción, Ritmo Bobo, de Sonny Stitt, de 1963. Su principal protagonista no es ni el piano de Chick Corea ni el saxo alto de Sonny Stitt. El auténtico genio es Willie Bobo a los timbales. Lógicamente, el tema se llama Ritmo Bobo por él.

El cambio de Cubana Be, Cubana Bop a Ritmo Bobo es un poco brusco, he de admitir. Ambas canciones apenas si tienen en común poco más que el tratarse de temas de jazz con percusión latina. Pero ya había suficientes dosis de dramatismo en los dos primeros temas de la recopilación y venía bien edulcorarla con algo de positividad.
El intérprete de la siguiente canción es Edú Lobo, guitarrista con el que transitamos de Cuba a Brasil. La versión del Hey Jude de los Beatles es un bálsamo y descansamos de la vigorosa percusión con la que había arrancado la reco en sus tres primeras pistas. En lugar de congas y timbales tenemos flautas, pianos y coros sin letra, que se limitan a tararear la canción. El tema se estructura in crescendo, pues adquiere intensidad con el movimiento del segundero, pese a la tranquilidad de sus primeros acordes.

El tema de Edú Lobo da paso a su propia composición Casa Forte, interpretada por Helen Merrill.

La recopilación, hasta este momento, ha sido exótica y pasional, pero ciertamente antigua. Para que no digáis que me he quedado anquilosado en el pasado, a continuación vienen unos temitas mucho más actuales y marchosos que los anteriores.

El primero es Yachts, de Coco Steel & Lovebomb, mezclada por A Man Called Adam. Este temazo se hizo famoso por servir de base para un anuncio de Freixenet Cordón Negro. Me encanta el sonido de la melódica.

A continuación viene I Croon On Ermine, pedazo de tema del dúo Hi-Fi Companions, extraído del álbum Swingers In Paradise, editado en verano de 2004. El dúo lo componen un señor de Eat Static y otro de Tangerine Dream. Hi-Fi Companions son un cóctel explosivo de ideas y creatividad. Hacen un lounge electrónico de calidad, con ritmos medios, influencias cincuenteras y sesenteras, y elementos de jazz y de percusiones exóticas variadas. Una maravilla.

Es memorable el solo de saxo de I Croon On Ermine, aparte de esos coros femeninos tan sensuales y esa guitarra hawaiana.

De ahí pasamos, precisamente de la mano de Hawai, a Luke Vibert & BJ Cole, que son otro extraño dúo. BJ Cole era un guitarrista de country que tenía 54 años en el año 2000, cuando se juntó con Luke Vibert, prolífico mago de la electrónica cuya edad era la mitad de la de aquél en esa fecha, para hacer Stop The Panic, una joya de álbum. De dicho álbum extraemos Swing Lite Alright, que podría definirse como un exótico tema de hawaiian downtempo. Buena sección coral y aderezos rítmicos varios. Interesante.

A este tema le sigue otro sensacional: Nautilus, por Bob James. Este músico y productor ha trabajado prácticamente con todo el mundo: Mongo Santamaría, David Sanborn, Chet Baker, Don Sebesky, Paul Simon, George Benson, Frank Sinatra, Quincy Jones, The Carpenters, Toots Thielemans, Sarah Vaughan, Dionne Warwick, De Barge, Neil Diamond, Grover Washington Jr., Al Jarreau, Milt Jackson, Natalie Cole, Kenny Loggins, Harvey Mason, y muchísimos más, menos conocidos que los anteriores. Por no mencionar a la plantilla entera del sello CTI, bajo el cual vio la luz Nautilus en 1974.

Nautilus es un tema placentero y extraño. Difícil de describir. Es mejor oírlo.

Con la canción Cortége, de Mark Snow, la recopilación da un giro siniestro. Mark Snow es famoso por haber compuesto la banda sonora de la serie Expediente X. Cortége es un tema muy cinematográfico, tenso, misterioso y ambiental. Me encanta su violenta irrupción, seguida de largas notas orquestales.
De la misma recopilación de Cold Spring Records se extrae el precioso tema al piano de Benedikt Middler Menage A Trois, pegadizo y agridulce. Estos dos temas constituyen el pequeño homenaje de la reco al modern classical.

El piano de Middler sirve de puente hacia un pop melancólico mucho más convencional y mainstream, aunque, como veremos luego, la tregua que doy es breve. Ocean Colour Scene (con otro piano, de ahí el nexo) y Placebo son dos de mis bandas británicas poperas favoritas. En las dos canciones traídas aquí sus inspirados vocalistas prorrumpen en sentidos lamentos. Me gusta cómo se apaga la voz en la primera de ellas (I Won’t Get Grazed), mientras que el tema de Placebo I Know me llega tan hondo que casi me echo a llorar cada vez que lo oigo.

Ahora bien, la música asequible no podía durar… El tema de Giselher Klebe Interferenzen es una rareza de ésas imposibles de superar. Es música electro-acústica del año 1955. A principios de los años 50 surgieron dos escuelas de música electro-acústica, una en París y otra en Colonia. Se basaban en el uso de osciladores y otra serie de primitivos artilugios eléctricos para fabricar sonidos extrañísimos. Es una música realmente innovadora y mágica, futurista y arcaica a la vez. Estamos ante los auténticos pioneros de la música electrónica, adelantados a su tiempo sólo un puñado de décadas.

Heredera de la anterior se me antoja la música de Grundik & Slava (2000), con su inquietante tema Virola, a base de timbrecitos y campanitas. Este dúo se compone de dos emigrantes rusos residentes en Israel.

De ahí pasamos a otro clásico, Brian Eno, creador del ambient. El tema Tal Coat está en la línea de Grundik & Slava de importar sonidos de la naturaleza (field recording) y mezclarlos con melodías sintéticas, sólo que Eno lo hizo 20 años antes.

Con más campanitas y una inquietante ambientación cinematográfica aparecen de nuevo Hi-Fi Companions, esta vez con su tema Skyclad, creciente en intensidad y ritmo.

El cierre lo ponen Quaid con Galcyon, un viaje emocionante a otros planetas, o al futuro. Como Giselher Klebe pero con tecnología de hoy.
Septiembre de 2004

Jazz arcaico para bailar

2008-04-13T11:37:00.016+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

El jazz antiguo incluido en las recopilaciones anteriores se ha limitado prácticamente a baladas: canciones de una enorme belleza que cumplían los requisitos invariables de placidez y lentitud.

Ésta, en cambio, es la otra cara de la moneda: en vez de canciones románticas tenemos ritmos bailables; la elegancia se ha tornado en rudeza (Ry Cooder, Memphis Slim), estridencia circense (Louis Armstrong, Peanuts Holland) y casi chabacanería (los berridos de Jimmy Rushing en el tema de Count Basie echarán para atrás a más de uno); la batería se convierte en protagonista (Kansas Field en el tema de Mary Lou Williams) cuando no en solista (Gene Krupa); la arquitectura de los temas suele ser in crescendo alcanzando finales apoteósicos de gran intensidad y contundencia (Count Basie, Duke Ellington); la casi ordinaria trompeta predomina sobre el sobrio trombón o el sensual saxo; la fuerza arrolladora de algunos de estos temas es comparable a la de un tren. Quizá sólo les falten unas gotas de latin para alcanzar el punto de ebullición: cualesquiera que fueran las raíces remotas de esta música, es obvio que sus intérpretes viven el hemisferio norte y hablan inglés.

En efecto, son temas muy americanos y muy negros, no en vano el ritmo imperante es el blues. Sin embargo, la riqueza de estilos musicales presentes es desbordante: stride de los años ‘30 (Garland Wilson), ragtime (aunque sea el reconstruido por Ry Cooder en 1978, la fecha de grabación más moderna con diferencia de toda la reco), swing (Gene Krupa, Michel de Villers), big band (el Duque y el Conde), waltz (Ella Fitzgerald, John Barry), bebop (Don Byas), todo ello además del omnipresente blues.

La reco se estructura con el mimo de siempre, con detalles que al oyente podrán pasar desapercibidos. Por ejemplo, que Count Basie y Duke Ellington figuren seguidos uno a continuación del otro (la aristocracia juntita). Las vocalistas Bassey y Fitzgerald también vienen de la mano. Lo mismo ocurre con los trompetistas Holland y Armstrong…

Al principio de la recopilación hay antiguallas de gran calibre. Paradójicamente, el tema más moderno de todos está ahí, sin que apenas se note (Big Bad Bill), recreándonos una música de principios del siglo XX (el ragtime) con una factura de finales de los ‘70. Es muy simpática la explicación que se da de inventos urbanos revolucionarios como la hormigonera (Cement Mixer) o el semáforo (Stop! The Red Light’s On). Aunque Cement Mixer figura a nombre de Don Byas, el cantante es Peanuts Holland, que más adelante nos deleita con su trompeta. Y la cantante de Gene Krupa And His Orchestra es una jovencísima Anita O’Day (22 añitos en 1941 al grabar Stop! The Red Light’s On). Curiosamente Anita presenta a los solistas usando Mr. seguido de su nombre, no de su apellido: Mr. Gene (Gene Krupa a la batería) y Mr. Roy (Roy Eldridge a la trompeta).

Pero el tema que parte la pana al principio de la reco es China Boy, de Garland Wilson, grabado en 1933 en París. Este virtuoso del stride se propone tocar las 88 teclas del piano… y lo consigue. Qué antigualla más exquisita. Sólo le falta Olga Ramos.

El centro de la reco está dominado por el blues: big bands en directo (qué socorridos son los aplausos para este tipo de mezclas) y luego formaciones más pequeñas (el Jazztet, Bill Coleman), que dan un toque más elegante y pausado, aunque por poco tiempo, pues de la mano de Mary Lou Williams entramos en el capítulo circense de los trompetistas Peanuts Holland y Louis Armstrong, que rivalizan en grandilocuencia e intensidad. Genial el suspense introducido por la sección de vientos de este último.

Mención especial merece Johnny Hodges, felicitado por Duke Ellington al final de su interpretación de All Of Me. Duke Ellington solía hacer esto con sus solistas: los presentaba antes o después de cada actuación. Hodges toca impecablemente el saxo alto.

La grandilocuencia de Louis Armstrong, propia de un musical de Broadway, nos permite conducir las últimas pistas de la reco por terrenos orquestales de pedante megalomanía. Ella Fitzgerald canta un waltz mencionando en la letra a su autor, Gershwin.

Tras otro waltz, esta vez instrumental, por John Barry, tenemos dos guindas francesas: el acordeón parisino de Gus Viseur y el amable swing del saxo alto Michel de Villers. Su elegancia se nos antojaba un tanto edulcorada en comparación con la contundencia de los otros temas de swing traídos aquí (Gene Krupa…) por lo que queda mejor ubicado en el refinado final europeo de esta recopilación.
Enero de 2006

Para los más osados

2008-04-13T09:37:00.014+02:00

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Lista de canciones (tracklist)

Osada recopilación que sólo gustará a los más atrevidos. El que no la soporte tendrá que admitir que usa la música como mero pasatiempo. El que simplemente la tolere podrá considerarse aficionado a la música a nivel avanzado. Y al que la disfrute a la primera lo condecoraremos con la medalla al gran melómano del siglo.

¡Abajo los convencionalismos, arriba la imaginación!

La reco es un homenaje a la música marginal, a lo irrecopilable. Géneros presentes: dark ambient, modern classical, exotica, psicodelia, garaje, punk, psychobilly y parodia.

A la vez sirve de tributo a Alemania, aunque la presencia germana no es tan grande como a simple vista pudiera parecer. Sí son alemanes Die Toten Hosen, Die Ärzte y Klaus Nomi. Lacrimosa también, aunque editen sus discos desde un sello suizo. No lo son, en cambio, ni Die Sonne Satan (El Satán Del Sol, pseudónimo del italiano Paolo Beltrane) ni Anne-Sofie von Otter (prestigiosa mezzosoprano sueca cuyos músicos de cámara sí tienen apellidos escandinavos).

De los alemanes puede destacarse su megalomanía y su sentido del humor. Grandes puestas en escena y mucha orquestalidad (Lacrimosa, Klaus Nomi) en plan ópera. Luego son cafres y sosos como ellos solos cuando quieren tocar palos como la música latina. El oyente no se ha librado del castigo de oír Guantanamera por Die Toten Hosen, pero sí de un Mambo a cargo de Herbert Grönemeyer que estaba preseleccionado para esta reco y al final fue descartado por pésimo. Con más o menos gracia, hay que reconocer que los alemanes son dados a la parodia (Die Toten Hosen y por supuesto Klaus Nomi, el cachondísimo icono gay protomártir del SIDA en 1983). Especialmente mordaz es la versión que hacen Die Toten Hosen de Guantanamera convirtiéndola en Cunt In A Mirror (el que desconozca el significado de cunt en inglés que recurra al diccionario).

La reco experimenta con la subjetividad de la noción del tiempo: los 3 primeros temas ocupan en conjunto 18 minutos, lo mismo que los 7 temas que van del 9 al 15. Que el oyente juzgue cuál de esos dos pasajes se le antoja más largo.

Abrimos con Alio Die, monstruo italiano del ambient experimental. Escoltada por dos italianos (el otro es el mencionado Paolo Beltrane) tenemos a Tori Amos versionando nada menos que a Slayer. La lúgubre pianista está a la altura de la atroz letra de Raining Blood. La frase original death will be their acquaintance la cambia por death will be their acquisition, que viene a significar lo mismo, aunque me gustaba más la otra (conocerán la muerte, tendrán una cita con la muerte). La primera palabra encaja con la urgencia del thrash de Slayer, mientras que la última permite a la Amos darle a la frase una cadencia más solemne.

Lacrimosa hacen un modern classical de la máxima grandilocuencia, conjugándolo con goth y metal. Son pasajes orquestales, oscuros y largos, todo lo contrario de lo que se avecina: punk urgente y garaje sencillo.

A modo de puente tenemos temas como la canción de cuna Broken Bicycles, compuesto por Tom Waits, la joya exótica de Out-Islanders Moon Mist, con una vocalista a lo Yma Sumac y un saxofonista a lo Sonny Stitt (cortesía de Ultra-Lounge) y un par de muestras de la psicodelia clásica: Love y Tyrannosaurus Rex. Ellos representan el triunfo definitivo de la guitarra en la recopilación.

Los temas guitarreros se han dispuesto formando el típico crescendo: cada salto de un tema a otro supone dar un pasito más hacia la radicalidad sonora, que toca cima con el psychobilly de The Cramps (autores de este género gore).

Es poco asequible, pero habrá a quien le guste (espero).
Marzo de 2006

Del noise al noise

2008-04-13T00:01:00.008+02:00

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Total Trash está extraída del álbum Daydream Nation de Sonic Youth, piedra angular del noise-rock que data de 1988. La canción comienza como un tema roquero más o menos convencional, pero pronto empieza a ensombrecerse, retorcerse, estirarse y mutarse llegando al clímax de la distorsión. Hay que alabar la paradójica armonía con la que se alcanza semejante caos. Todos los planos son manipulados y de esa transgresión no se libran ni ritmos ni melodías ni texturas, afectando homogéneamente a cada uno de los instrumentos, salvo la voz humana, cuyas posibilidades de mutación sin caer en una grotesca robotización son muchísimo más limitadas que las del resto de solistas.

Esta manifestación de noise es puro arte contemporáneo. La coordinación de los cuatro instrumentistas es total y el mensaje, libérrimamente interpretable por el subjetivismo de cada perceptor, es homogéneo, plástico e infinitamente abstracto. Cuando el tema recupera, de forma progresiva, brillante e inesperada, el ritmo y la melodía iniciales, ya nada es igual. Hay un poso de travestismo en la gravedad de las estrofas finales y el hipnótico fade mortal.

Tras un terremoto de tales características era obligado introducir un tema balsámico. Es inevitable que mientras el oyente escucha Jynweythek Ylow, de Aphex Twin, su interior continúe convulsionado por la sacudida recién recibida de los Sonic Youth. Y quizá la inclusión de un tema tan plácido como éste potencie y prolongue los devastadores efectos de la audición anterior, pues invita a la reflexión en vez de propinarnos otro mazazo emocional, que por otro lado habría resultado insufrible para el oyente.

La sencilla caja de música de Jynweythek Ylow es de gusto remoto, no sabemos si en el tiempo, en el espacio o en ambos planos. Una exquisita y genial fantasía, que vio la luz en el doble Drukqs del año 2001.

Una vez hecho el paladar a degustaciones surrealistas de hondo calado, nos adentramos en el mundo espacial de Peter Thomas, pionero alemán de la música cinematográfica de ciencia-ficción en los años 60. Los efectos especiales en los que se apoya la imaginación de Thomas son totalmente analógicos y jazzísticos y el estado actual de la tecnología puede hacer que parezcan peor logrados que los efectos visuales de la película King-Kong. En cualquier caso, la precariedad de medios del momento en que se grabó Stars And Rockets (1974) la hace encomiable y la envuelve, para los oídos presentes, de un delicioso arcaísmo.

El cuarto tema sigue en la línea televisiva sesentera: no es ni más ni menos que Get Smart, la banda sonora de la serie de Maxwell Smart. Hay que aclarar que en los 80 hubo un remake de esta serie de televisión, pero que la música original es del año 1965 y la compuso Irving Szathmary.

La canción está extraída de una de las recopilaciones Ultra Lounge del sello Capitol en la cual conviven en la misma pista los dos temas aquí traídos: Get Smart y Casino Royale. El primero lo interpretan los Agents, que vete a saber quiénes son, lo mismo James Bond y Maxwell Smart. Y el segundo, que no puedo determinar si es el famoso Casino Royale de Burt Bacharach, lo interpreta el prestigioso violinista francés Franck Pourcel.

Las reclamaciones por haber mezclado alevosamente dos canciones tan dispares deben dirigirse a Capitol Records, pues yo me he limitado a su fiel reproducción.

Ahora bien, aprovechando el cambio nos metemos de lleno en un mundo bien distinto del anterior. Nos despojamos de todo surrealismo y futurismo y entramos en un pasaje de jazz clásico y colorista.

Aprovechando la ñoñería de los coros femeninos de Casino Royale introducimos dos temas seguidos en los que se repite este ingrediente: Fascinating Rhythm y Trinkets And Things. Los dos están interpretados por egregios guitarristas: Antonio Carlos Jobim y Ryo Kawasaki. Hay que destacar, sin embargo, que Fascinating Rhythm fue compuesta por George Gershwin. Los seguidores habituales de mis recopilaciones disfrutaréis próximamente de más temas a cargo de los hermanos Gershwin y de Cole Porter, pues recientemente he adquirido las obras completas de todos ellos y siendo inconmensurable su contribución a la historia musical estadounidense es obligado rendir homenaje a tan influyentes raíces.

El atemporal tema de Ryo Kawasaki (del que es justo criticar su excesivo minutaje) es un puente perfecto entre el tándem Gerwhwin-Jobim y la intoxicación de disco-jazz con que nos castiga Lalo Schifrin a continuación. La percusión en Fascinating Rhythm es casi imperceptible. Con Trinkets And Things se hace más ostensible. Con Moonglow / Theme From Picnic es insoportable. Lalo Schifrin demuestra con este tema ser capaz de lo mejor y de lo peor. Hacer música disco a finales de los setenta y principios de los ochenta no es censurable; pero cargarse Picnic metiéndole un machacón ritmo pre-house es un crimen. (El compositor de Picnic fue George Duning en 1955. La canción fue nominada para el Oscar pero no lo ganó. George Duning tuvo otras cuatro nominaciones al Oscar para la mejor banda sonora y no ganó ninguna de ellas).

La misma amnistía que permite incluir, como simple curiosidad, el tema de Schifrin en esta recopilación es la que autoriza la inserción de Bossa Nova interpretada por Santiago Segura. Hago extensiva a mis oyentes en nombre propio la petición de indulgencia de Segura en la frase final de la canción: “con mis disculpas al maestro de maestros, Augusto Algueró”.

El siguiente tema supone un cambio de tercio. (Anticipo al oyente que el camino que seguimos nos habrá de llevar a la más atroz radicalidad en las últimas canciones de la recopilación. Y el jazz orquestal de Algueró no va precisamente en esa dirección). El grupo Family practicó un melancólico techno-pop en la única entrega que hizo en 1993: Un Soplo En El Corazón. La crítica saludó el álbum con efusión. El Viaje A Los Sueños Polares es una pieza sencilla y romántica. Hasta su duración es modesta. Me encanta. Y tiene una letra preciosa. Por ponerle una pega, el solo final de teclados tiene un cierto gusto a Camela, pero como dijo aquél “la perfección es fascista”.

En una línea parecida pero mucho más en los cánones del bubblegum tenemos a La Casa Azul con Hoy Me Has Dicho Hola Por Primera Vez. Música para adolescentes, llena de inocencia e ilusión.

Con Los Feliz, el grupo de Miguel Costas, cantante de Siniestro Total, nos endurecemos un poco. Noria es la libre interpretación del tema September de Earth, Wind And Fire. Esta versión roquera de un tema disco es muy plausible. Y también lo es que Miguel Costas no cante el estribillo en falsete. Llega con su voz hasta donde ésta se lo permite y eso le imprime carácter a la canción.

Seguimos con las versiones, pues Sexy Sadie se atreven con Bowie y su Moonage Daydream. La cabalgada guitarrera final es potente y fina. Un diálogo entre dos guitarras estridentes y a la vez bellas.

Menos remilgados son Motörhead con su versión (de nuevo) de los Kingsmen y Louie Louie. Reconozco que siento debilidad por Lemmy y este tema me parece muy gracioso. Las guitarras nos recuerdan que hemos dejado atrás el techno-pop y que esto es rock del bueno y subido de tono.

Aprovechando el tirón guitarrero hacemos un recorrido de cuatro canciones por el género punk. Empezamos con los New York Dolls y su Looking For A Kiss. El vocalista David Johansen tiene una voz muy personal y es más chulo que nadie cantando. Flipo con él. Técnicamente hay que catalogar este tema como de proto-punk, pues en 1973, cuando vio la luz, no se había acuñado aún el término punk.

Love Battery, en cambio, es de 1978, en pleno apogeo punkarra. La cantan los Buzzcocks, autores de himnos como Ever Fallen In Love u Orgasm Addict. Punk británico más acelerado que el iniciático de los Dolls.

Y el crescendo continúa. GBH son posteriores (se forman en 1979) y cultivan un hardcore-punk o punk-metal más cañero que el punk clásico de los Buzzcocks. Knife Edge es un buen ejemplo de esta exasperación.

Por último, The Exploited, versión escocesa y escocida del punk más radical, suelen ser catalogados como una banda de anarchist punk. La línea que separa esto del metal, desde luego, es delgada. La corta duración de las canciones y la ausencia de solos de guitarra es uno de los criterios que nos permiten ahorrarnos el adjetivo heavy o metálico al hablar de estas formaciones. El tema escogido de The Exploited es UK 82.

La apisonadora ya no hay quien la pare. Metal Militia es el temazo con el que Metallica cierran el mejor y más punky de sus discos: su álbum debut Kill’Em All, de 1983. Éxtasis metálico desde premisas muy próximas al punk.

Slayer son el grupo más emblemático del thrash o speed-metal. En 1986 publicaron su obra maestra: Reign In Blood. El batería Dave Lombardo, que después formó el grupo Fântomas, es el líder de la banda y, usando el símil futbolístico, “juega en otra División”. El tema Raining Blood pone el broche de oro al álbum, con un juego de palabras, ya que el nombre del disco y el de la canción se pronuncian prácticamente igual en inglés, pero uno significa Reino En Sangre y otro Lloviendo Sangre.

Precisamente cuando nos empapamos de esa cruel lluvia recreada mediante efectos sonoros realistas irrumpen los ginebrinos Shora con su atroz grindcore. El grindcore es primo hermano del death metal. Se incluyen en la recopilación dos temas de Shora: Erode-Implode y Discussing Watercolor Techniques. Es lo máximo que soportan mis oídos en cuanto a radicalidad sonora se refiere. Los dos temas se extraen de un CD compartido entre Shora y Merzbow, el monstruo japonés del noise (no confundir noise con noise-rock, que es el art-rock peculiar de los neoyorquinos Sonic Youth y compañía). Merzbow hace un noise tan hardcore que no me atrevo a incluirlo en ninguna recopilación (de momento). Pero simplemente imaginad a qué extremos puede llegar la radicalidad de Merzbow si Shora a su lado me parece moderado.

Lógicamente, una música tan poco asequible escapa por completo de los grandes circuitos comerciales. Switching Rethorics, el split-CD de Merzbow y Shora, tuvo una tirada de 110 ejemplares, uno de los cuales, por supuesto original, me honro en poseer.

En resumen, la recopilación es totalmente creciente en ritmo y agresividad. Escucharla desordenadamente podría causar graves trastornos para la salud mental.

Noviembre de 2004